Доброго времени суток всем тем, кого интересует каждая из сторон искусства: будь то живопись, скульптура, музыка или литература. Остальным тоже не хворать.
Сегодня я проведу вас по залам моего музея и покажу, как именно живопись представляется в играх и как она вдохновляет разработчиков на создание похожих произведений.
По случаю открытия у нас день свободного посещения, поэтому покупка билетов не требуется
Первые залы, по которым мы пройдемся, относят нас в античность. Залы древнего Египта и Востока закрыты на реконструкцию, зато у нас есть возможность пройтись по древней Греции.
Живопись на полотнах в Греции зародилась довольно поздно, в отличие от, например, скульптур. Но это не значит, что греки вовсе не рисовали, напротив, они украшали своими творениями не только вазы, но и стены домов, дворцов и храмов. Рисунки они наносили смешанной краской с помощью мокрой штукатурки. Когда кто-то говорит про античность, незнающий человек представляет себе, как правило, отсутствие цветов, потому что большинство сохранившихся скульптур белые. Однако это ошибочное мнение, потому как греки любили цвета. Почти все их статуи были цветными, дома, дворцы, храмы и так же роспись на стенах зданий.
Греки много что рисовали, начиная от узоров, заканчивая мифологическими сюжетами. Но, конечно, предпочтения отдавались людям. Они старались не просто сказать, что перед нами человек, а показать его идеал. По этой причине он всегда выглядел в прекрасной физической форме и был красивым. От древней Греции пошла дальше по эпохам идеализация и эстетизация людей.
Несмотря на красоту человека, рисунки греков были плоскими. Чтобы придать своим росписям живость и объем, они добавляют складкам одежды толстые линии, которые начинают походить на тени. Правда, работа с тенями дальше одежды или экипировки не заходила до поры до времени. На самих людей обратили внимание где-то в 5 веке, что странно, учитывая любовь древней Греции к человеку. Теперь атлетическая форма мужчин и их красота выделяется полосками темнее. Задается объем и форма человеческому телу.
Обычные сюжеты в росписях греков не столь примечательны, чтобы сейчас заострять на них внимание. Давайте лучше взглянем, как люди иллюстрировали мифы.
Первый такой сюжет, на который может наткнуться любой грек — легенда о поверженном Тифоне.
О чем она?
По одной из версий Тифон появился в результате союза Геи и самого Тартара. Она была настолько обозлена на Зевса, что решила породить нечто столь ужасающее и сильное, что на свет появилось чудовище, которое прозвали Тифоном.
По другой версии он появился в результате раскола земли. Жена Зевса, Гера, сильно разгневалась из-за рождения Афины, которое произошло без какого-либо участия супруги. Гера в ярости топнула ногой по земле и в мир вошел ужасный дракон.
В любом случае, Тифон появился, и вместе с ним появилась угроза всему живому.
Он выглядел по истине пугающе: полу человек, полу дракон невероятных размеров. Тифон настолько был велик, что мог одной рукой касаться восхода, а другой заката.
И это чудовище вышло для того, чтобы уничтожить то, над чем властвовал Зевс.
Конечно же, надо выходить и сражаться с монстром. Но что происходит? Все боги в страхе забирают своих детей и начинают прятаться. К ним присоединяется так же и сам Зевс. Скорее всего, если бы не мудрая Афина, которая остановила отца и напомнила ему, что он, вообще-то, великий и могучий бог, то мир бы перестал существовать. Но громовержец опомнился и вышел на битву с Тифоном.
Их битва была очень долгой и изнурительной. Настолько все было плохо для Зевса, что другие боги решили выйти из своих каморок и помочь в сражении. Правда, по итогу победила не сила, а хитрость. К Громовержцу также на помощь пришли мойры, богини судьбы. Они убедили Тифона, что плоды растения «однодневка» придают физическую силу. Чудовище без задней мысли проглотило плод и рухнуло на землю без сил. Зевс этим воспользовался, схватил Тифона и загнал его в Тартар.
Вот и все в сборе, получается. Действительно, приятные семейные развлечения.
А вот еще один примечательный сюжет, который можно наблюдать во многих храмах на просторах древней Греции.
Легенда об Амуре и Психеи по произведению Апуля «Метаморфозы».
Психея, младшая из дочерей одного царя, была девушкой невероятной внешности. Она настолько была прекрасна, что ее сравнивали с Венерой. Конечно, богиня прознала, что ее неземную красоту наделяют какому-то человеку. Она прогневалась и решила проучить девушку, отправив своего сына Амура. Он должен был связать Психею с жалким и ничтожным мужчиной. Но карты легли так, что он сам влюбился в девушку. Дошло до того, что юноша отгонял всех претендентов на руку и сердце.
Шло время, а Психея так и сидела в девках. Ее отца это не на шутку тревожило. В один из дней он обратился к Оракулу, и она ему поведала, что его дочь ждет необыкновенная судьба. Ну, царю ничего не оставалось делать, как соответствовать этому предсказанию. По этой причине он отправил Психею на вершину утеса, чтобы та ждала свою судьбу. Так и произошло: к ней примчался ветер Зефир, и унес ее в огромный замок к Амуру. Богатство замка настолько было невероятно, что превосходило состояние отца Психеи.
Наслаждение девушки шло своим ходом. Единственным несчастьем было то, что супруг ее появлялся только ночью. Подговоренная сестрами она решила узнать своего таинственного суженного. Пока Амур спал, Психея зажгла лампу и поднесла ее к юноше. Пораженная его невероятной красотой она капнула маслом ему на кожу. Супруг сильно обозлился на девушку и покинул ее. Однако красавица решила так просто дело не оставлять. Психея отправилась на поиски мужа. Путешествие завело ее к покоям самой Венеры. Несмотря на козни богини, по итогу Психея и Амур помирились и зажили вместе.
В отличие от фрески, где четко показано сражение Зевса и Тифона, здесь так сходу сложно сказать, о чем сюжет.
Но как разработчики игры AC: Odyssey помогают наталкивать на эту мысль?
Давайте взглянем поближе на фреску.
Вот какой был мир живописи древней Греции. По нему можно было ходить еще, но дальше нас ждут не менее интересные работы. Поэтому предлагают здесь больше не задерживаться, а двигаться вперед.
Живопись, как и любая другая составляющая культуры, развивается. Понимания людей о мироустройстве сменяются друг за другом. На повестку дня выносятся новые взгляды и новое мировоззрение. Время античности с многобожием и антропоцентризмом подошло к концу, и на его место пришло единобожие и рабство людей перед Всевышним. Пришло средневековье.
Говоря об этом времени, первое, что может прийти в голову — это иконы. Те, у кого сработал такой ассоциативный ряд не ошибутся. Действительно иконопись стала важной частью искусства того времени. Но это будет неполное представление об эпохе. В средневековье важным элементом повествования о жизни святых и Бога также были витражи.
Они начали украшать монастырские церкви уже в 10 веке. Позже витражи изготавливались для городских соборов, главных храмов епархии и резиденции ее епископа. Разноцветные стекла показывали как эпизоды из Библии, так и святых. Из-за того, что не все люди могли читать в то время, изучение истории христианства через витражи было важным. Помимо посланий, живопись по стеклу доносило до человека и впечатление. Свет, проникающий через окна, разливался по храму, алтарю, иконам и статуям всеми цветами, создавая невероятную картину.
Однако витражное искусство перестало носить исключительно церковный характер в 15 веке. Тогда подобную красоту и экзотику стали заказывать аристократы. Библейские темы сменились светскими.
Вот, например, окна в королевском замке Вызимы. Как видно, витражи демонстрируют нам не библейский сюжет, а вполне мирской. По центру располагается правитель, напротив него свое представление ведет придворный шут. Слева от владыки песни исполняют музыканты, а справа от шута стража стоит на охране порядка.
Двигаясь дальше по залам нашего музея можно наткнуться на произведения позднего или северного Возрождения.
После эпохи средневековья в мире искусства происходит переломный момент. Люди начинают задумываться о своем предназначении и понимают, что пора отходить от раболепства перед Богом. Опять возникает потребность в антропоцентризме и человеке во главе, как было в античную эпоху. Однако позднее Возрождение спустя несколько столетий прибегает к религиозной теме. Но вместо того, чтобы обрисовывать его яркими красками, художники прибегают к мрачности.
Вот, например, одна из фресок, которая своей несуразностью, дикостью и необычностью напоминает одного реально существовавшего художника — Иеронима Босха.
Он был радикальным христианином, который любил в своих произведениях библейские сюжеты так изворачивать, что загадки и споры между специалистами ходят до сих пор.
Сложно сказать, откуда Босх черпал вдохновение, создавая образы, зато с уверенностью можно говорить, что фантазии художнику было не занимать. Он умел сочетать яркий визуальный ряд с нравоучительным содержанием.
Проскочив еще несколько залов, мы оказываемся у порога в эпоху Барокко. Это время характеризовалось фатализмом. Наступает кризис идей Возрождения. Близится 1666 год и вместе с ним конец света. Чума, голод, мор. Вечные войны. Люди вновь обращаются к идеям христианства, однако на этот раз Бог не добряк, а тиран. Он шлет на человека бесконечные муки.
Из-за такого мышления люди начинают «жить одним днем». Поэтому барокко — это всегда пышность, напряженность и роскошь.
Именно в эту эпоху появляется такое понятие, как парадный портрет. Художникам заказывали картины с изображением аристократов, военных деятелей, правителей и любых других значимых или богатых личностей. Появляются яркие детали, которые указывают на род деятельности человека или его принадлежность к высшему обществу. Люди на парадных портретах всегда роскошно одеты. Цветовая палитра состоит из сочных красок.
Вот, к примеру, в королевском замке в Вызиме можно найти такую картину. Первое что бросается в глаза — это размеры произведения. Такой большой формат полотна для портрета выбирается неспроста. У художников есть разные методы для того, чтобы показать значимость и важность личности. Размеры картины тоже играют свою роль. Если небольшие портреты можно носить с собой и как бы приближать к себе, то на грандиозные можно смотреть только с расстояния. Обрамление полотна тоже важно. Как правило для аристократов выбирались только самые лучшие и дорогие рамки.
Следующее, на что нужно обратить внимание — это на одежду ребенка. Перед нами не просто какая-то дочь крестьянина. Она относится к высшему обществу, и это подчеркивается пышностью и ярким цветом ее платья. Плюс, мы видим дорогую текстуру одежды, что тоже имеет значение.
Ну, и напоследок — выражение лица. Это тоже, можно сказать, один из способов передать важность модели. Художники старались, помимо всего прочего, запечатлеть эмоции человека, которые помогали бы не только раскрывать характер личности, но и подчеркивать ее индивидуальность. А переизбыток чувств маленькой Цири можно списывать на то, что герои эпохи Барокко все любили немного драматизировать.
Что? Вы случайно заглянули не в тот зал и теперь находитесь в смятении? Ничего страшного, это просто зал с «бабушкином» искусством, в котором находится единственный и неповторимый экспонат…
Эх, прекрасный ковер. Но не будем здесь задерживаться и продолжим двигаться дальше.
Искусство в разные века всегда прыгало от крайности к крайности. То люди восхваляли «человека», то переходили к «Богу». Так продолжалось несколько веков. Поэтому в ответ на эксцентричность и какую-то фатальную религиозность вновь пришел антропоцентризм, а вместе с ним и классицизм.
Всю пышность люди убрали и вместо нее поставили строгость, сдержанность и культ разума.
В живописи классицизм отразился сюжетностью картин. Художники брали за основу легенды, мифы и истории и показывали их в своих произведениях. Если ты не разбирался в истории как таковой— ты не мог читать картину. Люди не брали все подряд, а выбирали исключительно те сюжеты, в которых мораль сводилась к долгу, чести и служению обществу.
Гуляя в игре по Франции 18 века, можно наткнуться на много произведений. Картины настолько впечатляют, что создается ощущение, что они являются репликами реально существующих полотен. На самом деле, так и есть. Разработчики, создавая определенную эпоху, не просто черпали вдохновение из истории, они старались отражать ее особенности, чтобы максимально точно погрузить игроков в то время.
Одним из художников, к которому обращались люди из Ubisoft был Жак Луи Давид. Кусочки его картины «Похороны Патрокла» разбросаны по миру AC Unity.
Это произведение настолько насыщенно, что сложно понять, что, в принципе, происходит на полотне. И человек неосведомленный никогда не догадается о значении картины, потому что, как писалось выше, в классицизме живопись была сюжетной. Не знаешь сюжета — не понимаешь произведение художника.
Но мы здесь собрались не для того, чтобы оставлять вопросы открытыми, поэтому давайте «прочитаем» то, что изобразил Жак Луи Давид.
История.
Сюжет был взят не из неба, а прямиком из «Илиады» Гомера. В ходе 4 сражения в Троянской войне Патрокл, верный друг Ахилла, погибает. Окончательный, смертельный удар ему наносит Гектор. Ахилл узнает о смерти товарища и гневается. Он решает отомстить Гектору за павшего друга и вызывает его на бой. Сражение длится долго, но в итоге Ахилл побеждает.
Удрученный Ахилл возвращается обратно в лагерь для подготовки похорон Патрокла. В порыве эмоций со слезами на глазах он обещает товарищу, что труп Гектора будет растерзан собаками, а для упокоения души друга будут принесены в жертву 12 пленных юношей.
С этими мыслями уходит на ночлег, где к нему приходит призрак павшего товарища. Он просит, чтобы его тело как можно быстрее передали огню, так как ему сложно войти в царство мертвых. Плюс, Патрокл предсказывает смерть храброму воину, поэтому оставляет еще одно пожелание: чтобы их кости были похоронены вместе.
Естественно, Ахилл не собирается отказывать другу, поэтому на следующее утро происходят все приготовления к проведению похорон.
Агамемнон собирает людей и приказывает вести дрова для погребального костра. Ахилл говорит своим воинам надевать доспехи и запрягать колесницы.
На протяжении всего пути в царство мертвых Ахилл придерживал голову Патроклу. Он срезал свои волосы и вложил их в руки друга. Рыдания присутствующих продолжались целый день.
В жертву огню были принесены овцы, быки, лошади и собаки.
Как и было сказано Ахиллом, тело Гектора передали собакам, но они не стали его есть. (Выборочные гурманы, видимо. Мясо героев они не предпочитают)
Все время он сидел у костра и наблюдал, как пламя пожирает его друга.
Вот какой сюжет демонстрирует нам Давид. И без его знания, зрителям сложно будет понять, что происходит на картине. Однако это не единственное произведение художника, которое можно встретить в игре.
Помимо сюжетной живописи, Жак Луи Давид также рисовал портреты на заказ. Одной из таких незаконченных работ является «Портрет Луизы Трюден». Его заказали художнику зятья Луизы. Семья Трюден с 17 века обеспечивала Францию крупными государственными служащими, поэтому они имели свой вес в обществе. Зятья пригласили Давида и других крупных художников в свой парижский салон, чтобы те выполнили их просьбу.
Вообще почему из всевозможных художников большой акцент отдается работам Давида? На самом деле, разработчики выбрали его не просто так.
События, разворачивающиеся в игре, охватывают великую Французскую Революцию 1789-1794 гг. Чтобы передать этот период таким, каким он был, люди из Ubisoft обращались к разным источникам, в том числе и художественным деятелям. Жак Луи Давид не просто жил в то время, он непосредственно принимал участие в революции. События того периода затянули художника в свой круговорот. Он начал выступать в роли политического деятеля. В 1793 году Давид стал членом Конвента, он принимал участие в осуждении короля на казнь. Художник организовывал массовые народные революционные празднества в Париже. И даже создал Национальный музей в Лувре.
Что ж, дорогие посетители, спасибо, что приняли участие в ознакомительной экскурсии по отражению живописи в видеоиграх. Мы проскочили через большие отрезки времени, чтобы посмотреть развитие живописи, и как оказалось: помимо того, что каждая эпоха искусства пытается переплюнуть предыдущее течение, так еще и в этих попытках оно имеет свойство повторяться. Однако это не мешает ему иметь вес и значимость как для других стандартных направлений искусства, так и для видеоигр.
Спасибо за блог!
Мне понравилось, определенно нужно еще :)
Поправьте, пожалуйста, описание:
«Синий цвет в древней Греции был атрибутом богов неба, Юпитера и Юноны. Он означал преданность и верность.»
Мне кажется, если речь о Древней Греции, то лучше тогда использовать только греческие наименования богов :)
В Одиссеи можно отметить минимум три стиля фресок: на Крите в руинах можно найти минойские, в гробницах и руинах типа Пилоса как будто бы есть уникальные ахейские (хотя на удивление много минойских), ну и наконец описанная в статье классика в храмах, дворцах и так далее.
Тема весьма интересная, но можно было и лучше раскрыть.
Вообще да, хорошее замечание. Уже поправила. Единственное, становится немного забавно от сочетаний «Зевса» и «преданности») Но это так, второстепенное
Вообще мне не удалось найти хоть какой-либо вспомогательной информации по поводу живописи в игре и ее трактовки (по крайней мере, некоторых фресок). С Тифоном и Апулеем в итоге пришлось самостоятельно сидеть и анализировать. Что, конечно, жаль. Несмотря на тот факт, что многие части ассассинов в игровом комьюнити у нас, мягко говоря, не очень воспринимаются, вариаций по искусству там достаточно. Для меня эта серия послужила отличным подспорьем для изучения)
Ох уж эта мифология, там вообще все можно, если ты Зевс :)
Плакал бедный Апуль (Апулей)...
Вот любят Ассассинов пинать, но эти игры уже как музей. Можно окунуться в интересующийся тебя временной период, да ещё и с геймплеем.
Вот хожу по пещерам в Origins и кайфую по фрескам. А в Odyssey ведь ещё интереснее.
За статью спасибо. Попробую и в Unity поиграть, тем более что игру бесплатно раздавали после пожара в Нотр-Дам.
