Чем вдохновлялись японские авторы?

В основе любого творчества обычно лежит источник вдохновения. Авторы могут как опираться на свой жизненный опыт, так и брать за ориентир впечатления от другого произведения или даже от симпатий к другому человеку. А чем вдохновляются японцы? Ну, желанием не умереть на работе и потёртой частью истории браузера. Это 100% проверенная информация и вы не сможете меня переубедить. Однако не всегда всё сводится только к этому. Мне захотелось взять три работы из разных областей (манга, аниме и игра), и попытаться понять, что могло послужить для авторов данных работ источником вдохновения, а также проследить за тем, как влиял на процесс творчества их образ и условия жизни. В каких-то моментах я буду оперировать фактами, которыми делились причастные к производству лица, а в других буду выдвигать свои предположения.

Затрагивать прям все первоисточники у каждой работы я не буду, так как это может затянуться, да и вряд ли у меня это получится. В любом случае нам есть о чём поговорить.

1. Астробой
2. Евангелион
3. TEKKEN

Само собой, тут будут спойлеры к некоторым старым работам, так что я вас предупредил.

Астробой

Если уж и начинать с кого-то, то с дедушки всех дедушек. «Астробой» или «Tetsuwan Atom» («Могучий Атом»; про названия мы ещё поговорим, постараюсь его чаще называть Астробоем, потому что так привычнее), рассказывающий про приключения мальчика-андроида, появился на свет в 1951 году. Манга была нарисована Осаму Тэдзука, и в списке его работ также значится «Jungle Emperor», более известная, как «Белый лев Кимба», «Чёрный Джек» и «Дороро». Именно работы Тэдзука определили направления развития японских комиксов, а также сильно повлияли на анимацию своей страны. Стиль Осамы многие перенимали, став основой для того, что мы привыкли видеть в аниме сейчас. Манера рисования Тэдзука была сформирована не сама собой, да и любовь к этому занятию появилась не на пустом месте: за всё это стоит благодарить Уолта Диснея и его студию. Мангака очень любил смотреть работы западных аниматоров, в особенности мультики с Микки Маусом, настолько он фанател от них, что в какой-то момент даже сделал свои версии «Бэмби» и «Пиноккио» в виде манг. Да-да, Пиноккио придумал итальянский писатель Карло Коллоди, однако именно адаптация Диснея 1940 года подтолкнула Тэдзука к написанию своей версии. Помимо Диснея, мангака очень любил работы Макса Флейшера, культового аниматора, которого можно благодарить за Бетти Буп и анимационные адаптации Моряка Попая. Как мне кажется, на стиль автора он повлиял даже больше, чем Дисней.

Осаму Тэдзука.

Уолт Дисней.

Макс Флейшер.

Бэмби (1951).

Пиноккио (1952).

В творчестве Тэдзуку был один момент, который сложно не заметить — высокий уровень жестокости. Как таковой расчленёнки и чернухи не было, но персонажи у него охотно получали травмы и даже умирали, будь то животные, монстры, роботы или живые люди. Смотрятся его манги как книжки для детей, и некоторые из них себя так и позиционируют, вот только иногда они себе позволяли вещи, на которые не все взрослые работы решаются. Однако здесь надо понимать в какое время он жил. Ещё в 11 лет Тэдзука стал одним из свидетелей такого непримечательного события, как «Вторая мать его Мировая Война». А ещё он изучал медицину, правда здесь немного не уверен в деталях: в одних источниках я находил заявления, что он изучал её ещё в раннем детстве с подачи отца, который был врачом, а в других говорят про конец войны, когда у него появилась инфекция, которая чуть не лишила его обеих рук. С уверенность можно сказать две вещи — он точно в какой-то момент интересовался медициной и подумывал стать врачом, в 1958 году даже получил докторскую степень по анатомии, однако интерес к рисованию и успех «Астробоя» взяли вверх.

Мангака многое повидал и начал считать наличие насилия в мире обыденностью. Везде происходят ужасы, созданные человеческих руками, о которых он может даже не подозревать. Такая реальность Тэдзука совсем не радовала, и все эти переживания он проецировал на свои работы, в том числе и на Астробое. При этом ему не мешала никакая цензура, ведь в первые послевоенные годы её почти и не было. Иногда Тэдзука был слишком прямолинейным, и мог подавать свои идеи в лоб, но не суть. Со временем автор начал сглаживать углы и делать свои работы менее «смелыми», если это требовалось. И вот всё это можно отнести и к «Tetsuwan Atom»… то есть «Astro Boy». Так, давайте разберёмся с именем персонажа.

С Атомом всё просто: это оригинальное имя робо-мальчика, которое появилось из желания автора в своей работе использовать слово «атом», так как ядерная физика была на слуху. Изначально планировалось назвать Атомом город, в котором обитает персонаж, да и вообще его роль в манге задумывалась более второстепенной. Но планы поменялись и в конечном итоге Тэдзука подарил «Атома» знакомому всем персонажу. Мангака хотел показать на примере главного героя, что достижения науки могут приносить людям благо и спасать жизни, а не быть инструментом по созданию смертоносного оружия, так как в то время к ним относились с опаской и в какой-то степени неприязнью: страх перед ядерной войной был очень велик. Особенно в Японии, которая ещё не отошла от бомбёжки.

Теперь поговорим про локализацию. Каким образом Атом стал Астробоем? Впервые услышали на Западе про тайтл через аниме-адаптацию, и при подготовке для англоговорящей аудитории телевизионные продюсеры сразу потребовали избавиться от всех японских атрибутов и намёков на ядерное оружие. Плюс, если перевести название аниме на английский, получается «Mighty Atom», что посчитали созвучным с именем Майти Маус — более мультяшной и ориентированной в основном на детей аналог Супермена, который был популярен в период 40-х и 50-х. Ещё я нашел упоминание нежелание возится с авторскими правами, но я также находил нескольких персонажей с именем Атом, появившиеся в то время. Всё-таки это имя не настолько оригинальное для судебных разбирательств, поэтому вряд ли проблема была в копирайте. Чтобы выполнить указания сверху и избежать путаницы, локализаторы решили сменить название на что-нибудь «цепляющее», и кому-то пришло в голову «Астро».

Хотя не сказать, что Астробой был абсолютно безыдейным названием: «Астра» с греческого означает «звезда» и нередко используется для именования летательных и космических аппаратов, а также для других терминов из этих областей (сейчас побуду капитаном очевидностью, но астрономия, астронавт, астролябия и так далее). События тайтла нередко происходят в космосе, к тому же он относится к научной фантастике. Ну и главный герой у нас мальчик: очень хороший, с добрыми намерениями и готовый всегда выручить из любой опасности, как супергерой. Астробой, «Звёздный мальчик», идею вы поняли. В последующие годы имя Астробой никуда не делось, и даже в официальном переиздании манги, где старались сохранить все атрибуты оригинала, его не называют Атомом, а Астро. Вход идут оправдание, что слово «Атом» и «Астро» похожи, нет необходимости менять имя, это пойдёт против «истории» и всё в таком духе. Но наверняка причина в другом: все, кроме японцев, уже привыкли к «Астробою», а значит продвигать проекты по франшизе будет проще именно с таким именем. Да что уж там, даже в Японии большинство проектов используют два названия: и «Могучий Атом», и «Астробой».

В названии на японском написано «Могучий Атом».

Ну и замолвлю словечко по поводу нашей локализации, которая повторяет английскую, но слова в ней пишутся вместе. Почему? Скорее всего, не хотели вводить заблуждением из-за «boy», которое бы при дословном переводе могло бы звучать странно («Мальчик Астро» или «Звёздный мальчик» для меня звучат нормально, но может я один такой), а «Астро бой» могла бы вызвать путаницу.

Кое-что оставили неизменным во всех версиях — тема расизма. На примере пренебрежительного отношения к роботам показывали любовь людей к дискриминации. Манга выходила в 50-х и 60-х, в то время такое поведение не так сильно порицалось, а в каких-то местах считалось нормой, поэтому вдохновение для социальной несправедливости брать было где. Вот, допустим, тут светились наряды куклуксклановцев, правда местные любители надевать колпаки таким образом маскировались под роботов для манипуляции Астро с целью устроить в городе переворот. А ещё в этой истории фигурировал Робо-Франкенштейн. Не спрашивайте. Отмечу, что примерно с выходом манги в Америке началось движение за права чёрных, поэтому борьба роботов за равные права с людьми могла брать референсы и оттуда.

Многие считают, что Тедзука популяризировал идею использования в панелях манги различные углы, создания в них динамики и других визуальных приёмов, навеянные Голливудскими фильмами. Сейчас эта самая «динамика» не очень прослеживается в сплошных квадратиках и прямоугольниках на страницах, да и не всегда автор брал прям совсем различимые перспективы, что не отменяет их наличие. Тем более не будем забывать делать скидку для работы, которой в этом году стукнет 72 года, которая была одной из первопроходцев зарождающейся в стране индустрии и постановочные приёмы которой станут стандартом для современных японских комиксов.

Здесь читается слева-направо.

Голливуд также его вдохновил в создании так называемой «Звёздной системы», которая заключается в использовании одних и тех же персонажей в разных историях с разным амплуа, словно они актёры, которые отыгрывают разлиные роли, однако внешне они не перестают быть собой (опустим момент с гримом). Яркий пример, в двух историях Астро встречает считай идентично выглядящих персонажей: один молодой гонщик, а второй сына немецкого политика. Это не с проста, и «играет» их кочующий у Тедзука из манги в мангу персонаж, которого принято называть Роком. Подчеркну, система встречалась не только в «Астробое», а использовалась в работах автора повсеместно. Даже наш робо-мальчик появлялся не только в своей родной манге, но и в «Чёрном Джеке», и являлся там обычным человеком из плоти и крови. Была ли в «Звёздной системы» логика? Наверно, но немного. Вызывала ли она диссонанс? Да, ещё как, особенно если с ней незнакомы. Волновало ли это Тедзука? Ни капельки, он с ней веселился и даже шутил на тему «зарплат» для своих «актёров».

Теперь поговорим о протагонисте. Его дизайн был вдохновлён сразу несколькими персонажами: штанишки Астробоя были позаимствованы у Микки Мауса, а образ супергероя был навеян уже другой мышью… Майти Маус. Ага, этот персонаж не только помог появиться Астробою на свет, но и, грубо говоря, лишил его имени. А идею «искусственно созданного мальчика» вместе с некоторыми чертами характера мангака позаимствовал у Пиноккио. Дизайн периодически менялся во время выхода тайтла: мангака постепенно делал главного героя длиннее, посчитав это «крутым», но читателям это не понравилось и приходилось его уменьшать обратно до прежних размеров.

Микки Маус.

Майти Маус.

Пиноккио Маус... так стоп...

Ещё, по словам автора, необычная причёска Астробоя повторяла его собственную, вот только разглядеть схожие черты вряд ли у вас получится, учитывая стиль мангаки, качество немногочисленных чёрно-белых фотографий с его участием и что чаще всего он ходил в шапочке.

Я нашёл только два фото без шапки. Одно — свадебное фото Тедзука. Волосы в порядке, но допустим, что он их к церемонии привёл в порядок.

А вот фото за работой. И здесь причёска выглядит обычной. Ну что тут сказать, либо для фотографий он тщательно укладывал свои волосы, либо автор так видит.

Другие действующие лица нередко были основаны либо на реально существующих знаменитостях, либо на знакомых Тэдзука. К примеру, гангстер Бун Марукуби срисован с итальянского актёра Лино Вентура, а персонаж по кличке Лампа и его босс Ким Санкакуру были сделаны по образу школьных друзей Тэдзука. Бывало и так, что автор рисовал своих коллег.

Кстати, Вентура снимался преимущественно в гангстерских фильмах.

Этот безымянный радиоведущий был основан на Кэидзо Симада - один из первых мангак, который был весьма известный в своё время.

А вот внешний вид дружков Тедзука я не нашёл, и теперь...

До этого блога лично я ещё думал, что «Астробой» мог быть навеян Железным Человеком, но явился миру герой Marvel только в 1963 году и никакой связи с работой Тэдзука не имеет.

Нередко истории в манге могли взять за основу и реальные события, особенно если они были на научную тематику, хотя иногда в ход могли пойти и слухи.

В одной из историй рассказывали, как Астро противостоит армии киборгов, для которых были использованы мозги собак. Руководила ими княгиня Анта Мария, а создал доктор Юнкович. По именам несложно догадаться, что они из СССР.

Скорее всего, за основу были взяты исследования Сергея Брюхоненко, в частности, его эксперименты 1928 года по реанимации организмов, где в одном из опытов при помощи аппарата искусственного кровообращения поддерживали жизнь головы собаки. С этими экспериментами был связан слух о том, что СССР готовился создать собак-киборгов и использовать их в военных целях. Видать, Тэдзука понравилась эта легенда, и он решил воплотить её в манге, заодно затронув тему кибернетизации, которая не сможет изменить суть живого существа, сколько бы механических частей ему не устанавливай.

Один из «прототипов» от советских учёных.

Узнал про этот слух мангака вряд ли случайно, так как он интересовался культурой некоторых стран, в том числе славянской и советской, а потому любил читать соответствующую литературу. Одна из его манг и вовсе адаптация «Преступления и наказания».

Больной ублюдок!

Тедзука даже сделал отсылку на Ивана Дурака, назвав соответствующим именем одного старинного робота. Правда история, связанная с ним, не особо отдаёт сказочностью: Иван — робот-помощник, который содействовал своей хозяйке в обустройстве Луны, вплоть до самой её смерти. Спустя годы Астро и группа людей посетили спутник Земли, что было в радость старому роботу: он снова мог о ком-нибудь позаботиться. Вот только Иван непреднамеренно вредил своим гостям и в какой-то момент даже поставил их жизни под угрозу. При этом сам сюжет про приключения на Луне, по заявлению автора, основан на произведении Гэлберта Уэлса «Первые люди на луне».

Вообще, вдохновений и просто отсылок к научной и не очень фантастике в тайтле навалом, в частности, на упомянутого Уэлса. Тэдзука явно по ней фанател и добавлял её не столько из-за необходимости для сюжета, сколько для души. «Машина времени», «Муха», «Империя муравьёв», «Необыкновенная история острова Панорам» — мангака любил необычные и стимулирующее его воображение произведения.

Как можно было заметить, Тэдзука много чего использовал при написании Астробоя, и всё мною выше перечисленное далеко не весь список, но оно не удивительно: занимался он мангой больше 17 лет, за это время он успел рассказать много разных историй. Честно говоря, сейчас его работу сложно читать, и местами я бы поспорил с его идеями, но пару интересных моментов в них можно найти. К тому же не стоит забывать, что в первую очередь Тэдзука ставил своей целью просто повеселить читателей, показать разные удивительные приключения в столь необычном мире. Видимо, за это его все и полюбили в своё время.

Евангелион

Ах, Ева. Сериал про детей, сражающихся ради всего человечества с огромными чудищами в не менее гигантских мехах, и который заставил многих людей задаваться столькими вопросами: «В чём смысл жизни? Аниме — это искусство? Аска или Рей? Является ли Синдзи нытиком?..» Да, является (ХЕХЕЕЕЕЕЕЕЕЕ, кхм, извините).

Возможно, кто-то сейчас подумал, что я начну рассказывать про христианские образы с их значением или про всю глубину депрессии одного из авторов, Хидэаки Анно, однако не в данный момент. Этому мы обязательно уделим время, а сейчас начнём с «Королевских космических сил».

В 1987 году от студии Gainax вышел полнометражный фильм «Королевские космические силы: Крылья Хоннеамиз» («Ouritsu Uchuugun: Honneamise no Tsubasa»). Сюжет рассказывал про паренька Сироцугу Ладатта, который всегда мечтал летать, и поэтому пытался попасть в армию, так как доступ к летательным аппаратам были только у военных. Однако из-за паршивой успеваемости он попал только в космические войска.

Фильм не был успехом в плане сборов, но был тепло принят за свою «технологичность», да и после него на студию обратили внимание крупные компании, что на тот момент для ещё молодой студии было достижением.

Один из готовящихся проектов Gainax, «Синий Уру» («Aoki Uru»), изначально планировался, как самостоятельный, однако впоследствии было решено сделать его непрямым продолжением «Крыльев Хоннеамизы», чтобы было проще привлечь инвесторов. Так как полнометражный проект изначально не имел связь с фильмом 1987 года, герои там были совершенно другие, но кардинально менять их характеры и в целом сильно переписывать сюжет никто не собирался: оправдать появление новых персонажей хотели переносом всех событий спустя 50 лет после приключений Ладатта. Работа над «Синим Уру» велась примерно с 1992 по 1993 год, но из-за производственных и финансовых проблем аниме пришлось формально заморозить, но по факту его закрыли.

Создание этого фильма, вместе с «Надей с загадочного моря», о которой позже ещё поговорим, довели моральное состояние Анно до плачевного, так как он был очень вовлечён в процесс создания «Синего Уру», и его «смерть» очень расстроила режиссёра. Куда вся эта рефлексия на случившееся вылилась — можете сами догадаться.

При этом связь «Синего Уру» и «Евангелиона» куда сильнее. По заявлению некоторых работников Gainax, наработки и идеи несостоявшегося фильма были реализованы в «Евангелионе», так как режиссёру, да и другим причастным к отменённому проекту, было очень жалко их выкидывать.

Что именно позаимствовали — доподлинно неизвестно, можно лишь догадываться. Вероятнее всего, идеи характеров парочки персонажей и образы некоторых декораций.

Сохранившиеся наработки и концепты.

Бывший продюсер GAINAX говорил:

Можно ещё заметить, что стиль героев из «Синего Уру» по концептам не отличается от «Евангелионского», однако это не совсем наследство от несостоявшегося проекта, просто у фильма и сериала был один и тот же дизайнер персонажей — Ёсиюки Садамото, а он не изменяет себе в манере рисования, поэтому не в счёт.

А теперь для наглядности взгляните на «Синего Уру».

Теперь на Еву.

А теперь на «Великого притворщика», к визуальной стилистике которого приложил руку Садамото.

К слову, о «Синем Уру» до сих пор вспоминают. После успеха «Евы» с 1998 по 2001 студия пыталась воскресить проект, однако этому было не суждено случиться. В 2013 году внезапно показали новый постер, объявили, что мультфильм всё ещё находится в производстве и скоро выйдет, «поразив всех». Только вот это «скоро» пока не случилось. В какой-то момент Gainax погрязла в скандалах и судебных разбирательствах, от чего сейчас находиться в полумертвом состоянии. Она всё время передвигает дату релиза фильма. Последний раз планировала показать «Синий Уру» в 2022 году, но уже 2023, и что-то его не видать. О фильме всё ещё ничего не известно, не говоря уже о наличии каких-нибудь трейлеров и других промо материалов, разве что в 2015 году выходила некая короткометражка, которую показали на закрытой конференции, но это всё. Как выглядит проект — никто не знает. Может когда-нибудь фильм и увидит свет, но точно не в ближайшее время и вряд ли в нём будут использоваться наработки 30-летней давности.

Однако не только «Синий Уру» повлиял на сериал.

Помните, как выглядели костюмы пилотов мехов? Так вот, посмотрите, в какой наряд одели одного из персонажей «Нади с загадочного моря» («Nadia: Secret of Blue Water») 1990 года, над которым тоже работала Gainax:

Gainax Pose - на месте.

Рей в контактном комбинезоне. Вы его видели в галерее выше, но как будто это мне мешает ещё покидать Рей.

В «Наде» также есть пара религиозных отсылок, а еще там затронута тема создания человечества. Даже показали останки Адама и Евы. Известно точно, что в «Еве» как таковой смысловой нагрузки тема религии не имеет и она была добавлена, в первую очередь, чтобы сериал выглядел в глазах инвесторов и издателей презентабельнее, но не исключается, что здесь роль сыграли и личные предпочтения авторов. Может после «Нади» им захотелось данные концепты добавить и в свой следующий проект. Либо, как вариант, в Gainax не горели желанием морочиться после предыдущих проектов и разбазаривать ограниченные бюджеты, в связи с чем воспользовались проверенными наработками. На всякий случай уточню, экономия могла быть вызвана не жадностью, просто студия до «Евангелиона» зарабатывала очень мало. Что точно не подлежит сомнению — схожесть дизайнов Нади и Синдзи: внешний вид девушки стал основой для пилота мехи. По крайне мере, так заявляют создатели. Лично я не вижу сходства.

Надя.

Синдзи Икари.

Можно ещё отметить, что работа над «Надей» была не из лёгких: это был один из самых крупных и продолжительных сериалов Gainax (39 серий по 20 минут даже сейчас не многие студии могут потянуть). Вдобавок, канал NHK, который и заказал сериал, ограничивал авторов, поставив за ориентир «Небесный замок Лапута». Из-за этого идеи и концепты могли рубить на корню, так как был страх перестать походить на творение Миядзаки. Возможно, часть из них могла попасть в «Еву».

Ну и продолжая тему «производственного ада», Gainax получала за сериал копейки и в какой-то момент перестала справляться с его созданием, поэтому некоторые последние серии были отданы на полный аутсорс корейцам, что очень удручало всех причастных к работе, особенно Анно, которого в итоге добила ситуация с «Синим Уру».

A теперь личный крик души: если собираетесь смотреть Надю, то НЕ ТРОГАЙТЕ серии от аутсорса. Это филлеры и сделаны они не просто плохо, а ужасно. Без их учёта сериал прям отличный, и я лично его рекомендую к ознакомлению. Прошу, поберегите свои нервы… Так, на чём мы остановились? Что Синдзи «обокрал» девушку? Ну хотя бы не надругался.

Но не только Синдзи любил «красть», особенно если речь идёт о названиях. Рей позаимствовала своё имя у персонажа «Сейлор Мун», которую звали Рей Хино, она же Сейлор Марс, а вот фамилия произошла от эсминца типа «Аянами». «Аска» одолжили у героини другого тайтла, а точнее манги «Chou-Shoujo Asuka» («Супер Девочка Аска»), а «Сорью» отсылает на японский авианосец «Сорю».

Вообще, в тайтле полно имён, вдохновлённых военными кораблями, и связано это с увлечением Анно техникой в целом. Он любил смотреть и рисовать компьютеры, звездолёты, боевых роботов и прочие механизмы. Не зря при работе над «Космическими силами» он отдельно занимался дизайном техники.

Однако на «Еву» оказывало влияние не только увлечения Анно. Сериал в целом создавали под вдохновением многих вещей, по которым фанатели в Gainax. Большинство в студии обожало битвы огромных роботов, среди работников находились любители как супер-меха, наподобие «Mazinger Z» или «Getter Robo», так и более приземлённых Гандамов или «Легенды о Великом Идеоне». Фанатели не только от Токусацу, вроде «Kamen Rider» или «Ultraman», но и были поклонниками фильмов про гигантских кайдзю, наподобие Годзиллы. Всё выше перечисленное и многое другое стало основой для «Евы», в том числе и для местных мехов. В их случаи можно ещё отдельно выделить два ориентира, которые повлияли на их дизайн: образы Они и Миядзаковский «Навсикая из Долины ветров» с его Божественными воинами.

Ева-01.

Какие именно демоны вдохновили Евангелион? Не уточняется. Но вот один из архитипичных образов.

Божественные воины.

Ева-01 в состоянии гнева.

Разлагающиеся тело одного из Воинов.

Стоит отметить ещё пару моментов.

В 1970 году выходил сериал UFO, и по признанию Садамото, дизайн персонажей Гендо Икари и Кодзо Фуюцуки были вдохновлены Алеком Фриманом и Эдвардом Стрейкером.

Гендо и Кодзою.

Алек и Эд.

Здесь тоже дело конкретно в Анно, который очень сильно любил работы Джерри Андерсона, который спродюсировал и писал сценарий к UFO, и постановка «Евы» получилась такой благодаря его творчеству. Ещё он отмечал, что база NERV была основана на Острове Трейси из сериала «Thunderbirds» 1965 года, к которому тоже приложил руку Андерсон. Есть у меня подозрение, учитывая этот фанатизм и тематику сериала, что изначально им вдохновлялись ещё при создании «Синего Уру», а после отмены всё перетекло в «Евангелион».

Однако вход шла не только научная фантастика, но и что-то наподобие «Devilman» («Человек-дьявол») 1972 года. Манга рассказывала историю Акиры Фудо, который получил возможность трансформироваться в демона и сражаться с другими адскими порождениями ради близких и всего человечества. История о храбром супергерое только по описанию выглядит безобидной, а на дале с самого начала задаёт весьма суровый тон, и чем дальше продвигался сюжет, тем мрачнее становились события. В конце же читателей ждал далеко не «Happy End». «Ева» тоже использовала подобное повествование и к финалу всё складывалось не в самую радостную картину. Даже визуально концовки у тайтлов чем-то походил друг на друга.

Небольшое забавное наблюдение: в 2018 году вышел сериал «Devilman: Crybaby», который перенес события манги в более современный сеттинг с некоторыми сюжетными изменения, однако общая канва осталась той же. Как мне показалось, декорации в финале уже выглядели больше похожими на то, что было в «Евангелионе». Круг замкнулся.

Однако визуальным источником вдохновения для Евы была не только манга из 70-х, но и живопись: иллюстрация Карела Толе для журнала «Gakaktika» и их сборника историй «The General Zapped an Angel» Говарда Мелвина Фаста тоже была взята за основу.

Манга «Devilman».

«Конец Евангелиона».

Cериал «Devilman: Crybaby».

И ещё кадр из «Конца Евангелиона».

Работа Карела Толе.

Честно признаюсь, я далеко не фанат «Евангелиона», но мне нравится тот факт, что создатели хотели добавить в него вещи, от которых сами получали удовольствие, хоть не всё на первый взгляд могло подойти тайтлу. При этом пытаясь представить их так, чтобы они не выбивались из сериала и не выглядели как фан-сервис (хотя и такое здесь есть), а были естественной частью сериала.

Так, я кажется хотел о чём-то ещё поговорить. Хммммммм… Ну, раз я забыл, то вряд ли это было что-то важное.

TEKKEN

И закончим всё франшизой, в которой есть анимешная девушка-андроид с реактивным двигателем и бензопилами в руках, разумные медведи, умеющие в боевые искусства, и неубиваемый дед, способный пережить взрывы и демонические лучи смерти. А началось всё с того, что один папаша решил скинуть своего сынка со скалы… Что ж, если говорить про закулисье, то всё началось с технодемки.

К концу 80-х и началу 90-х игры стали пробовать себя в трёхмерном пространстве. Namco в этом плане была одним из пионеров на родине, и с интересом тестировала новые технические возможности. Во время разработки своих гоночных игр они смогли приобщиться к новым инновациями, однако игроделам было ещё что осваивать. Требовалось научиться создавать модельки людей и работать с ними, поэтому для поставленной задачи компания выделила отдельную команду, но затем Sega в 1993 году выпустила « Virtua Fighter», первый 3D-файтинг, который тепло приняли на японском рынке. А так как в то время игры в жанре «набиваем морды голыми руками» в целом были очень популярны, намечался выход первой PlayStation, и компания не собиралась сдавать позиции в гонке инноваций, руководство Namco решила дать той самой выделенной команде новую задачу — быстренько создать из уже имеющихся наработок полноценную игру. Так и появился проект «Kamui», который к моменту анонса переименуют в привычный нам всем « Tekken», вышедший в 1994 году.

Если говорить про геймплей, то основным ориентиром был уже названный «Virtua Fighter», правда из-за отсутствия времени на доработку там хватало косяков в балансе. Об этом говорили игравшие даже на момент релиза, а спустя время о проблемах признавались и сами разработчики. Несмотря на выше сказанное и тот факт, что  продолжение «Virtua Fighter» оказалось успешней, первая часть всё равно неплохо продалась и была хорошо принята публикой, что дало зелёный свет целой франшизе, вместе с возможностью исправиться в следующих играх.

От себя хочу отметить, что на самых ранних концептах персонажи выглядели не очень похожими на самих себя, и тем более чтобы конкурировать с героями из «Virtua Fighter». Они больше напоминали бойцов из «Street Fighter». Возможно изначально он и брался за ориентир, но почему-то потом отказались от этой идеи. Может быть им не понравился полученный результат, и те решили сменить направление, чтобы вновь не получился блин комом. С учётом качества этих концептов, я бы не списывал эту теорию со счетов. Другой вариант, изменениям мог поспособствовать руководитель проекта Сэйити Исии, который ранее принимал участие в разработке «Virtua Fighter».

Самые ранние концепт-арты.

Более поздние.

Финальные концепты.

Итоговый результат.

И ещё пачка персонажей.

Подробно про геймплей, наверно, говорить не будем, иначе этот блог превратится в «Историю серии Tekken». На самом деле я неосознанно шёл к этому во время написания текста, однако потом увидел, что слишком увлёкся рассказом фактов не по теме, отчего сам себя остановил. Могу лишь сказать философию, которую применяли, считай, ко всем играм серии: простое управление для казуальных игроков, но в целом глубокий геймплей для хардкорной аудитории. В тоже время, имеющаяся история должна быть развлекательной, с возможностью пропуска для любителей чистого геймплея. Правда, в отношении конкретно первой части акцент на простоту делали побольше, чтобы охватить более широкую аудиторию, о чём потом жалели: некоторые проблемы произошли из-за этого перевеса. Ладно-ладно, теперь точно всё с геймплеем.

И сразу скажу, далее я не буду говорить про источники вдохновения для каждого персонажа. Во-первых, не хочу растягивать блог, во-вторых, вряд ли стоит рассказывать, на кого ссылались авторы при создании персонажей, вроде Лэй Улуна.

Начнём с ключевой для серии семейки — Мишимы. Откуда они взялись?

Фамилия семейки произошла от Юкио Мишима, который в своё время был известным писателем. Помимо написания литературы, он также занимался бодибилдингом, учился кэндо и изучал каратэ. Короче, был на все руки мастером, но запомнили его немного по другой причине. Он вместе со своими сторонниками захватил военную базу и призывал армию совершить государственный переворот, вернув в страну её националистические традиции. Его заявление проигнорировали, из-за чего Юкио совершил сэппуку. Тот ещё чудик: то что нужно для «Tekken»! По его образу был отчасти смоделирован Казуя Мишима… Ну как смоделирован. Сделали что-то отдаленно похожее, но тут уж ничего не поделать: 1994 год как-никак.

Но Казуя напоминает кое-кого ещё, и не только внешне. У меня есть подозрение, что авторы могли вдохновляться Вегитой из «Dragon Ball Z», который в определенный период своей жизни тоже стремился получить невероятную силу, смотря на каждого сверху вниз. У обоих вечно злые морды, схожие заострённые причёски, привычка постоянно складывать свои руки и оба никудышные отцы. Вот только Вегита в итоге из антагониста стал одним из протагонистов, а вот у Казуи вышло как-то наоборот.

Есть и другая версия появления образа персонажа. Вспомните любого протагониста в файтингах, да и вообще, в большинстве произведений про боевые искусства в то время. Добрые, сражаются за друзей, всегда уважают традиции и принципы чести, и с этой точки зрения Казуя выглядит их полной противоположностью. Может быть разработчики хотели сделать кого-то самобытного, чтобы он выделялся на фоне остальных героев из файтингов, а сделать это проще всего, поставив во главе угла откровенного мерзавца.

А вот перчатки Казуя уже точно одолжил у Стар Платинума из «JoJo’s Bizarre Adventure» от Хирохико Араки, да и цвет у дьявольской формы персонажа тоже сходится. Хотя некоторые поговаривают, что вдохновением мог послужить и Бао (Baoh) из одноимённой манги. Она, к слову, тоже вышла из-под крыла Арараки.

Казуя в дьявольской форме.

Стар Платинум.

Бао.

Я всегда предполагал, что конфликт Казуи и Хейхачи был основан на легенде о борьбе двух демонов из-за того, что один действительно может становиться таковым, а у второго причёска очень напоминала рога, будто у дьявола. Однако ничего похожего я так и не нашёл, и не просто так: я был неправ. По заявлениям рулевого серией Кацухиро Харада разборки Казуи и Хэйхачи основаны на конфликтах японских детей со старшим поколением, в том числе и на спорах Харады со своими родителями. Старомодные и требовательные отец с матерью не давали ему покоя, потому что хотели так помочь сыну с поступлениями и в карьере, хотя и сам будущий геймдизайнер любил сбегать от них, проводя свободное время в аркадных клубах. А вот скидывали друга со скалы члены семьи Харады — история умалчивает. Хотя не факт, что этот вопрос стоит адресовать только ему: в первой и второй части он принимал участие в разработке, в качестве консультанта для разработчиков, и только с третей японец начал руководить серией. Может быть Харада кого-то и надоумил посвятить основной конфликт семейным разборкам, а может быть у кого-то другого было непреодолимое желание подраться со своим папашей.

Ну и раз мы начали вспоминать про неубиваемого деда, за основу Хейхати Мишимы был взят один из персонажей тайтла «Вперёд, школьник!» («Sakigake!! Otokojuku») — Хэйхати Эдадзима. Помимо имени, они разделяют властный характер, огромное эго, бескомпромиссную брутальность и, самое главное, комплексы по поводу своей лысины (это очень важно). Более того, начиная с «Tekken 3» по «Tekken 6» у них был один и тот же актёр озвучки, Дайсуке Гори (в 2010 году он умер, поэтому его в семёрке сменил Унсё Ишизука… который тоже скончался… да и Хейхачи видать уже с концами ушёл… мда). Его причёска действительно непросто так напоминают рога, правда, позаимствовали их не у демона, а у Ультрамэна Кена, ака отец Ультрамена.

Хейхати Мишима.

Ультрамэн Кен.

Хейха-... А он сам представился...

С Джином Казама всё предельно просто: так как в геймплейном плане он планировался заменой Казуи, то и характерные черты новый протагонист заимствует у него же. Их могло быть и больше, ведь изначально Джину хотели дать скверный характер его отца. Можно сказать, что молодой Казама должен был стать чуть ли не клоном Казуи со слегка переделанным дизайном, но потом разработчики поняли, что люди могут просто не признать такого нового протагониста. Поэтому обратили внимание на его мать. Спокойный и холодный нрав он унаследовал уже от Джун Казама.

Джин Казама.

Концепты.

Можно разве что ещё рассказать про боевой стиль Джина: начиная с четвёртой части дерется он с помощью приёмов традиционного каратэ и киокушинкай, а до этого пользовался стилем Казуи, основанный на сётокан. Хейхачи же пользуется чем-то средним между сётоканом и годзю-рю, причем, на его спине изображён тигр — символ сётокана.

Отойду от темы и поделюсь одним фактом об эмблеме сётокана, потому что он мне показался интересным и никак не связан с логикой «ТИГРЫ — ЭТО КРУТО И БРУТАЛЬНО, ТО ЧТО НУЖНО ДЛЯ КАРАТЭ!». Идея принадлежит художнику Кунитаро Косуги, который дружил с родоначальником сётокана, Фунакоси Гитином. Последний, с подачки Косуги, хотел написать книгу про боевые искусства, и так как в этой области подобного материала не делали, то, по идее, её можно было назвать «Tora no maki». Данное выражение использовалось для обозначение официальных документов и означает что-то вроде «текст мастера», константа, которая станет основой для последующих работ в этом направлении. Слово «tora» с японского можно перевести, как «тигр» — так Косуги и предложил Гитину сделать эмблему для сётокана ввиде этого полосатого животного.

Теперь поговорим о других персонажах, и мне хочется продолжить священником рестлером, сражающегося ради своего приюта — Кинга. И не потому что он один из моих мейнов… а потому что мейн! Главным источником вдохновения для Кинга стал персонаж в тигриной маске — «Tiger Mask»! Это герой из одноименной манги 1969 года про рестлинг от Икки Кадзивара и Наоки Цудзи. Повествует история про Наото Датэ, известного по прозвищу Тигриная Маска. Он рос в приюте, но в какой-то момент покинул свой дом и впоследствии прославился в индустрии спортивных развлечений, как один из самых жестоких хилов. Потом тот встречает мальчика из приюта, откуда был родом, и тот пообещал стать таким же крутым злодеем, как его кумир. Наото решает стать фейсом и заодно начинает отправлять деньги в родной приют.

Ягуар вместо тигра обусловлен тем, что первые обитают в Мексике, а вторые нет.

Наото Датэ, ака Тигриная Маска.

Манга была популярной и даже привлекла внимание настоящих рестлинг промоушенов. В какой-то момент «New Japan Pro Wrestling» купила права на образ персонажа, и так с 1981 берёт начало целое поколение рестлеров под тигриной личиной, сделав его известным в сфере спортивных развлечений далеко за пределами родины. Сатору Саяма, Мицухару Мисава, Кодзи Канемото, Ёсихиро Ямазаки, Икухиса Минова и Кота Ибуши — с годами один сменял другого, продолжая легенду Тигриной Маски.

Момент с «передачей эстафеты» в игре отражён: начиная с 3 части в роли Кинга уже совсем другой персонаж, потому что прежнего владельца маски ягуара убили. За приютом кто-то должен следить, и поэтому один из сирот решает занять место своего опекуна, тоже начав именовать себя Кинг.

Чтобы дальше не путать их, конкретно оригинального Кинга я буду называть Кинг 1, а нового, что занял его место — Кинга 2. Если без числа, то это относиться к обоим персонажам.

Но не «Tiger Mask» единым был рождён Кинг, но и культурой мексиканского рестлинга. Если не слишком вдаваться в историю, то он имел на этой территории большую популярность, заимел свой стиль, луча либре, традиции и идолов. Причём, последнее в отдельных случаях могло быть не преувеличением, ведь в период мятежей и восстаний людям необходимо было во что-то верить, чем и пользовались мексиканские рестлеры — лучадоры. К примеру, Родольфо Гусман Уэрта по прозвищу Эль Санто (El Santo; буквально переводится Святой), любил выстраивать свой образ непобедимого и бесстрашного героя где только можно, укрепив это 52 фильмами с его участием.

Отдельно хочется выделить Сергио Гутьерресе Бенитесе, более известный, как Фрай Тормента (Fray Tormenta). Он был родом из большой и бедной семьи, поэтому в какой-то момент Сергио начал вести не самый здоровый образ жизни, увлекаясь веществами и уличными драками, в связи с чем о деталях его прошлого узнать затруднительно. Точно известно, что в какой-то момент тот решил завязать со своими «хобби» и стал священником. Сергио начал заботиться о детском приюте, однако денег не хватало, а потому он решил вспомнить былое и дебютировал на ринге в 1973 году, используя заработанное на нужды сирот.

Как я уже говорил, оригинальный Кинг 1 был священником, а ещё раньше уличным бойцом, который дрался с кем попало и занимался саморазрушением, пока в его жизни не появилась вера. Он участвовал в первом турнире Железного Кулака ради призовых денег, что требовались на постройку приюта. Факт с приютом есть в истории Тигринной Маски, однако история Кинга 1 больше напоминает именно предысторию Фрая Торменто.

А вот боевой стиль Кинга уже не имеет конкретного источника вдохновения: в его арсенале самые разнообразные приёмы, захваты и удары, по сути являясь сборной солянкой всех школ рестлинга, а не только луча либре. Причём разработчики не ограничиваются себя в рамками реального мира. Здесь можно вспомнить концовку Кинга в пятой части:

Этот приём называется «Стыковка мышц» и позаимствовали его из тайтла «Человек мускул» («Kinnikuman»).

Хочу вернуться к моменту смерти Кинга 1 и его заменой в лице (в маске?) Кинга 2. Научился рестлингу Кинг 2 не сам собой, ему в этом помог Армор Кинг — бывший соперник Кинга 1, ставший тому близким другом.

Армор Кинг, аналогично своему коллеге, появился благодаря «Тигриной Маске», а точнее — одному из его главных соперников, Чёрному Тигру, однако тут я хочу заострить внимание на конкретной детали в истории Армор Кинга.

Дело в том, что по сюжету у него были большие проблемы со здоровьем, но даже с такими осложнениями он продолжал выступать на ринге. Возможно, по этой причине Армор Кинг не смог постоять за себя при встрече с перекаченной грудой мускул, именуемой Мёрдоком, и погибает. К слову, после этого на его место тоже приходит замена в лице брата… Нет, я не буду отдельно выделять Армор Кингов. Слава Богу, мне требуется рассказать только про оригинального.

Проблемы со здоровьем у Армор Кинга и желанием продолжать выступать была придумана не с потолка. Рестлинг — постановка, об этом многие знают, однако сей факт менее травмоопасным его не делает. Им приходится либо игнорировать болячки, либо начинать принимать в огромном количестве сильные обезболивающие, алкоголь, наркотики и другие психотропные вещества. Лишь бы продолжить выступать каждую неделю. Сейчас с этим построже, и компании стали тщательнее следить за состоянием своих рестлеров, хотя раньше они могли наоборот покрывать их и даже находить им поставщиков различных запрещённых препаратов, чтобы не лишаться своих звёзд.

Но давайте не будем заострять внимание на столь депрессивных вещах, а лучше зададимся вопросом: почему наши мексиканцы всё время ходят в масках, даже в повседневной жизни? Как я упомянул ранее, у лучадоров есть свои традиции, и постоянное ношение маски — одна из них. А как она сформировалась?

Ну, согласно красивой легенде, традиция появилась из отношения лучадоров к этим маскам. Отражение их идеалов, уважение к ацтекским ритуалам и почитаемым ими богам. Другая версия менее романтизированная: если рестлеры снимали маску, они переставали быть популярными. Загадочный образ бойца в маске выделяется и приковывает к себе внимание. Ну и, скажем прямо, может компенсировать не самое харизматичное личико. И если хоть раз снять маску, всё, магия пропадает. Это не константа, и не у каждого рестлера такое происходит, но, как правило, именно это свидетельствует о закате карьеры лучадора. Надеть снова маску нельзя — это противоречит традициям. Есть даже специальная комиссия в Мексике, которая следит за тем, чтобы её не нарушали. В связи с этим, увидеть настоящие лица лучадоров бывает сложно, если вы не являетесь частью его близкого окружения. Исключение есть, однако чаще всего лучадоры банально вообще не снимают маску до поры до времени.

Видать и для персонажей «Tekken» эти традиции не пустой звук, потому без масок мы их видели два раза. В «Tekken 2» Кинг 1 ушёл в запой после инцидента со смертью одного из детей в приюте и ходил без маски. Его потом убедил взять себя в руки Армор Кинг.

Кстати о нём, напомню, что здоровье у него было не в порядке, и во время матча своего ученика ему стало плохо. Кинг 2 заметил пропажу наставника и перепуганный побежал вслед за учителем в раздевалку. Он застал Армора Кинга не только без маски, но и явно без настроения: его лучшие годы уже позади… Опять в депрессуху ушли. Видать рестлинг не настолько весёлый, как все говорят.

Не, правда, давайте закончим всё на веселой ноте и поговорим про «ЛУЧШЕГО БОЙЦА ВО ВСЕЛЕННОЙ», Пола Феникса!

В «Tekken» он является одним из немногих персонажей, кто сражался с Казуей практически на равных. Этот факт намекает, что в первой части Пол, по задумке разработчик, изначально представлял собой одним из двух базовых персонажей, противоборствующих друг с другом и которых предпочтительнее брать новичкам для освоение игры, наподобие Скорпиона и Саб-Зиро в «Mortal Kombat», Сола и Кая в «Guilty Gear» или Рю и Кена в «Street Fighter». Последний, скорее всего, и послужил для героя вдохновением: оба американские блондины, изучающие восточные боевые искусства, оба являются соперниками главному героию и оба имеют схожие наряды в виде красного кимоно без рукавов (каратеги; оказывается, там есть отдельное название… я продолжу её называть кимоно). Их схожесть иногда даже подмечают в «Street Fighter X Tekken», что намекает.

И да, в новых частях они теперь оба выглядят, как какие-то бомжи. Ну или как очень потрёпанные жизнью мужички. Вот так совпадение.

Если говорить про подтвержденные источники вдохновение, то можно вспомнить Польнарефф из «JoJo’s Bizarre Adventures». Именно у него позаимствовали цилиндрическую прическу, да и скорее всего от него же досталась роль не очень умного комедийного персонажа. В общем, Польнарефф сделал «лучшему во вселенной» огромную услугу, благо, не медвежью.

Кстати, о медведях, персонажа подтолкнул заниматься боевыми искусствами Вилли «Убийца медведей» Уильямс. Вилли не выдуманный персонаж, а вполне себе настоящий каратист, который мишек не убивал, но разок для промо-видео подрался. Вспоминаем конфронтации Пола с медведями на протяжении всей серии и делаем выводы. А ещё Вилли был чёрным… ТАК, ПОГОДИТЕ ОБВИНЯТЬ МЕНЯ В РАСИЗМЕ. Не, я на самом деле к тому, что он тоже является американцем, который решил изучить восточные единоборства.

Другим возможным источником вдохновения мог стать Чак Норрис: опять-таки, американец занимающийся восточными единоборствами и любивший иногда надевать красное кимоно. Это бы также объяснило, почему Пол сдружился с Маршал Ло. Персонаж основан на Брюсе Ли, а последний пересекался с Чаком на съёмках «Пути Дракона», после которого они остались в дружеских отношениях.

Теперь поговорим про боевой стиль «лучшего во вселенной». Что практикует Пол? Формально он пользуется дзюдо. На деле это скорее гибрид дзюдо и каратэ, потому что вы не увидите в арсенале дзюдо удары и пинки. Если спросите меня, учитывая любовь персонажа выбивать дурь из противников именно ударами кулаков, я бы назвал его стиль очень специфическим каратэ с вкраплением дзюдо. Схожая по описанию школа боевых искусств называется кудо или дайдо дзюко каратэ-до, который представляет собой микс из приёмов дзюдо, бокса и каратэ, вот он уже больше напоминает боевой стиль Пола. Есть отличия, но их можно списать на индивидуальный «почерк» персонажа. Кстати, название этого единоборства имеет определенный смысл и звучит так: «Нет ворот что выводят на Великий путь. Каждый должен построить их в своем сердце и идти к совершенству собственной дорогой…» Не знаю, как вы, но мне кажется эти строчки хорошо характеризуют и Пола.

Ну и раз персонаж занимается восточными боевыми искусствами, то не удивительно, что он носит кимоно. Изначально я думал, что в этом наряде есть какой-то смысл в плане система рангов, связанная со цветом, но оказалось, что в дзюдо можно ходить хоть в белой, хоть в красной каратеги — разницы нет.

Ещё из приметных черт персонажа можно заметить татуировку скорпиона на правой руке, но здесь вряд ли заложена какая-то отсылка или какой-нибудь источник вдохновения: вероятно, разработчики просто подчеркнули, насколько один из его фирменных приёмов правой рукой смертоносен.

Однако не татуировка вызывала вопросы, мучала меня другая деталь: почему байкер? Мне не совсем было понятно, откуда взялся этот концепт. Да, любовь к покатушкам на байке хорошо характеризует его дикий нрав, но всё-таки для мастера боевых искусств хобби необычное, я бы сказал, немного рандомное. Причём, вот какой момент: на концептах он в своей классической кожанке, то есть он в первую очередь планировался байкером, а уже потом стал дзюдоистом.

Ответ оказался для меня внезапным: дело в том, что таким образом разработчики сделали ответочку Джеки Брайанту из «Virtua Fighter». Не забыли же ещё, что Namco с ней должны были конкурировать? В компании предположили, что Sega хотела раскидать персонажей из своего хита по разным играм, и Джеки, являясь гонщиком, мог стать опорой для новой гоночной франшизы, с которыми авторы синего ежа были на «ты». В связи с этим, из Пола решили сделать байкера, потому что в компании любили делать игры про мотогонщиков и чтобы в случае чего была ответочка игре про Джеки. Ну и да, уже по классике, Брайант тоже американский блондин, который знает восточные боевые искусства.

А вот и сам Джеки.

Наверно, в плане вдохновений «Tekken» мне показалась наиболее сумасбродной среди тайтлов в блоге, впрочем покопаться в ней всё ещё было достаточно интересно.

Это в принципе можно в той или иной степени сказать про все разобранные работы. Всё-таки увлекательно узнавать, как творчество влияет на других и подталкивает создавать что-то своё. Конечно, по напихать себе отовсюду идеи и надеется, что все это оценят — глупо, даже если с этой точки зрения разбирать работы, подобное не будет плюсом. Но если из этих источников получился по своему стоящий и самостоятельный проект, от которого можно получить удовольствие без поисков абсолютно всех муз автора, то тогда будет успех.

А что вам было из приведённого интереснее всего прочитать? Пытаетесь ли вы узнать, чем вдохновляются авторы в других работах, и что интересно вы смогли о них узнать? Будет любопытно узнать.

На этом у меня всё. Спасибо за внимание! Всем удачи и всех благ!

Отдельная благодарность DoctorCox, lt_OmG, Yarg, Ивану Крамаренко.

 

Понравившийся клип по Астробою.

 

Какой же было офигенное интро у пятой части.

Ну и отвечая на вопросе: «Аска или Рей?» - ответ Мисато!