Искусства Аниматора (Сакуга)

Привет, друзья. Видите аниме? Как вы думаете, кто самый важный в создании аниме? Режиссёр? Писатель? Студия? Все они определенно играют роль в создании аниме, но мы всегда забываем об неотъемлемом элементе команды — аниматорах.

Мы никогда особо не говорим о них. Даже если они вдыхают жизнь в шоу и фильмы, которые мы любим. И в отличие от общепринятого мнения, режиссеры не всегда полностью отвечают за то, как анимация двигается и чувствуется. Конечно, они могут выдвигать идеи и предложения, но решение как все будет выглядеть остается за аниматорами.

В целом, самое большое, на что режиссер влияет в визуальном дизайне – это раскадровка с записями о том, как долго будет длится кадр или какие кадры они бы хотели использовать.
И если им интересен определенный стиль, они ищут аниматоров, которые работают в определенном стиле. Так кто же эти невоспетые творцы и какое влияние они имеют на визуальный образ аниме.

Давайте начнем с 1958 года. До аниме, оно даже выглядело как аниме.
Начнем с «Легенда о Белой змее». Она очень похоже на эстетику анимации Диснея при создании полноформатной анимации 24 кадров в секунду. Сегодня в аниме для анимации персонажа могут быть 24 кадра в секунду и 8-12, для анимация заднего фона от 6 до 8. Это изменение произошло из-за появления телевизионного аниме, когда самым рентабельным способом было производство аниме, когда оно уже вышло в показ.

Это привело к ограничению времени и в результате телевизионная анимация стала более топорной, в отличие от фильма. Об этом свидетельствует первое телевизионное аниме Астробой, Здесь видно первые признаки того, как аниматоры используют укороченные кадры с в большей степени статичными изображениями и небольшой анимацией, когда персонажи двигаются.

Astroboy
Конечно, это становится лучше в Самураях-Гигантах в 1973 году, а затем они становятся совсем неплохими к выходу Космического Денди в 2014 году. И это из-за сакуги. Сакуга – это момент в аниме, когда качество аниме радикально меняется, усиливая драму или действие в сцене. Его еще называют денежный кадр.

Сегодня в шоу до сих пор есть неестественные моменты для менее важных сцен, но когда происходит что-то важное, качество повышается. Это те моменты, когда режиссёр обращается к определённым аниматорам, таким как Ясуо Оцука, отцу этого понятия, который работал над аниме «Хорас. Принц солнца». Сейчас произносятся такие имена, как Хайяо Миядзаки и Мамору Осии. А Хорас был началом прогрессивной эры для аниме, включая в себя разные альтруистические стили от разных аниматоров. И сейчас существует гораздо более широкий диапазон стилей, которыми овладевают аниматоры.

Вы можете увидеть старомодный реализм у таких ребят, как Хироюки Окиура, который рисует анимацию менее бросающейся в глаза, но более ультра реалистичной. Вы можете увидеть эту работу в Ковбой Бипоп, в фильме Метрополис или недавнем “Когда здесь была Марни’’. Кстати, тем, кто изменил все игровое поле анимации, был Окиура. Вскоре это привело к восходу одного из самых знаменитых аниматоров – Мацуо Исо. Он
вернул идею реализма в аниме, делая движения объектов и персонажей более непредсказуемыми и свободными.

Передавая то же тщательное качество Окиуры, но с меньшей шероховатостью в движениях объектов. В итоге это привело к чему-то театральному. Исо Митцуо сделал себе имя. Он даже анимировал сцену из «Убить Билла» Квентина Тарантино.

Kill Bill
Конечно суть анимации не в том, чтобы сделать ее более реалистичной и существует много аниматоров, которые стараются выглядеть сюрреалистичными, от современных вещей, таких как “Пинг-Понг. Анимация» до «Девушка Бобби» 1985 года.

Сюрреалистичные аниматоры существуют уже давно. Они делятся на 2 вида. Одни стараются сделать сюрреалистичные элементы более прозрачными, например Кодзи Моримото и Синья Оохира. В то время как другие любят выставлять все на показ, как Синдзи Хасимото и Масааки Юаса. В этом тоже есть преимущества, так как они могут быть очень эффектными в некоторых эксцентричных шоу и создают более уникальную атмосферу. Хотя этот стиль не используют слишком часто, как он подходит для особых случаев. Случаев, когда персонажи находятся под сильным действием наркотиков или если вы просто хотите лишить момент здравого смысла.

Более прозрачный подход всегда был популярнее, однако став отдельным стилем, он стоит между реализмом и сюрреализмом, то есть это что-то среднее. Эти аниматоры обычно обладают особым талантом, который выделяет их. Например, Хиронори Танака, один из моих фаворитов, которому удается совместить стили Синьи Оохиры и Массаки Юаса, в тоже время сохраняя более приземленную и реалистичную эстетику. И возможно именно из-за него существует Мегуми Коно. Как и Танаку, ее отличает то, как она анимирует волны волос или движения тела и именно она ответственная за сцены танцев в игре Idolmasters, не используя CG, как другие шоу.

Танака также повлияла на многих других аниматоров, включая Генитъиро Абэ. А также Такахито Сакадзуме, который знаменит своими кинетическими экшен сценами. Нозому Абэ, прославившийся за преувеличенную мультяшность анимации и Такеши Койке, который потратил 7 лет на эту анимацию:

Это сакуга, тот момент, когда аниме удивляет нас скачком в визуальном качестве. Шанс для аниматоров блеснуть, становясь авторами. Искусство аниматоров. И знание этого важно не только, потому что есть люди, которые анимируют то что мы смотрим, а потому что помимо режиссуры, есть голос и талант за анимационными стилями, которые мы смотрим.

Мы знаем, что аниме Убей или Умри намеренно абсурдно из-за раздутой анимации и стиля. А Эхо Террора более серьезно с его темными и реалистичными тонами. Это все часть презентации, а презентация – это одна из важнейших элементов аниме. Это портал, который проводит нас в мир истории и персонажей. Потому что неважно насколько прекрасна ваша история, при глупой режиссуре и демонстрации, она будет выглядеть плоско. В конце концов это не тоже самое, что читать книгу. Вы смотрите аниме.