4 ноября 2014 4.11.14 0 35K

Анатомия игр: Начало

Каждый геймер хоть раз в жизни да задумывался об игре своей мечты. Кто-то делал это всерьез, садясь рисовать схемы геймплейных механик и наброски уровней. Кого-то лишь на мгновение посещала такая мысль. Но мечтали на эту тему все.

Однако очень немногим удалось претворить свои идеи в жизнь. А для большинства мечты так и остались мечтами. Причин тому много. Мне кажется, что одна из ключевых состоит в том, что современный геймдев — процесс комплексный и довольно запутанный, а путь к завершению игры (не говоря уже о ее запуске) довольно тернист и таит немало подводных камней. На голом энтузиазме, «с разбегу», вряд ли удастся покорить эту вершину, сколь бы сильным ни было желание поначалу.

В «золотую эпоху» игростроя (речь о конце прошлого тысячелетия) все было гораздо легче. Игроки еще не были столь избалованы живописной графикой, трогательным сюжетом и ворохом проверенных механик. Никто не цеплялся к форме, все ценили содержание и восторгались креативными экспериментами с темой или подачей игры. Идеальная почва для творчества! На этой почве как раз и выросли те легенды от мира игростроя, с которыми у многих ассоциируется само слово «разработчик».

Тим Шейфер (Tim Schafer) — один из самых известных игроделов, создавший Psychonauts, Grim Fandango и лучшие части Monkey Island.
Тим Шейфер (Tim Schafer) — один из самых известных игроделов, создавший Psychonauts, Grim Fandango и лучшие части Monkey Island.

Сейчас же для того, чтобы довести свою игровую задумку до победного конца, нужно знать и уметь очень многое, и все равно в одиночку с этим вряд ли справишься (если, конечно, речь идет о полноценной игре, а не об очередном инди). Это и пугает: непонятно, с какой стороны подступиться к свирепому зверю по имени «геймдев» и как избежать тех «элементарных» ошибок, за которые тебя потом заклюют другие игроки. Поэтому те немногие, кто все же решается, начинают под пиксельными 2D-флагами. Где и остаются.

Тем не менее попасть в реальный игрострой — задача хоть и довольно трудная, но вполне достижимая. Не стану убеждать вас, что для этого нужно лишь желание. Потому что это не так. Да, оно просто необходимо. Но также требуются терпение, твердое намерение постоянно развивать свои навыки и вообще держать нос по ветру, умение здраво оценивать, что у тебя хорошо получается, а что нет, и много чего еще.

Однако если задаться такой целью, то, планомерно работая в этом направлении, однажды вы сможете оказаться перед широкой публикой, презентуя проект своей мечты. Который к тому моменту уже сто раз сменит форму, ну да не суть.

Меня не раз спрашивали о том, с чего вообще начать свой путь в настоящий игрострой. Какие требуются профессиональные навыки? Как их можно приобрести и где вообще люди учатся на игроделов? Какой движок выбрать? Или лучше написать свой? Можно ли потянуть разработку игры одному, и если нет, то в каком составе лучше приступать к своему первому игровому проекту?

В общем, вопросов — масса. Так что завязываю с затянувшимся вступлением и предлагаю вашему вниманию рассказ о том, как создаются игры.

Китайцы нам завещали, что «путь в тысячу ли начинается с первого шага». Так что, прежде чем кидаться с головой в омут игростроя, лучше сперва разобраться, из чего вообще состоит процесс создания игр и к чему именно из всего этого гигантского конвейера (англ. ‘pipeline’) у вас лежит душа. Чтоб приступать к делу во всеоружии, хотя бы примерно себе представляя, куда двигаться дальше.

Типичный пайплайн в производстве цифрового контента.
Типичный пайплайн в производстве цифрового контента.

С этого и начнем. Взяв за отправную точку то, что игрок увидит в первую очередь. А именно — работу арт-отдела.

Дабы раскрыть тему как можно нагляднее, при написании этой статьи я обратился к руководству студии, в которой сейчас работаю. И попросил проиллюстрировать свой рассказ исходниками реального контента из разрабатываемой игры. Начальство меня поддержало, так что по ходу повествования я покажу, как изменяется игровой контент по мере продвижения от одного этапа к другому.

Задача арт-отдела — подготовить игровые ассеты. Asset («заготовка») — это один из «кирпичиков», из которых собирается игра. То есть некоторый абстрактный кусок контента, который потом геймдизайнеры смогут «воткнуть» туда, куда надо. Дерево — это ассет. Стул — это ассет. Персонаж с набором всех готовых анимаций — это тоже ассет. Каждый минимально самодостаточный объект проходит весь цикл разработки и лишь потом попадает в саму игру.

Зачем нужны ассеты? Почему бы сразу не делать игру «целиком»?

Ну, во-первых, эта абстракция в виде ассета позволяет геймдизайнерам приступить к сборке уровней еще до того, как готов сам контент. Для них это всего лишь некоторая «коробочка» определенного размера, в которой потом что-то будет. Так что пока арт-отдел изготавливает эти «детальки», геймдизайнеры уже вовсю собирают игру, оперируя пока что обычными кубиками вместо реального контента. Потом, по мере разработки, содержимое ассета обновляется, и вместо кубиков на уровне появляются модели стен, персонажей, самолетов, лестниц и так далее.

Во-вторых, сделать игру, в которой каждый объект будет уникальным, — просто нереально. Как по срокам, так и по деньгам. Чем больше уникальных ассетов — тем, разумеется, лучше. Но в принципе от повторного использования контента никуда не деться. Особенно с учетом стоимости современной разработки.

Ну и, в-третьих, сам игровой контент в 99% случаев изготавливается не в движке, а в специализированных программных пакетах. Так что нет совершенно никаких причин делать все «целиком и сразу»: в любом случае придется это по кусочку потом переносить в движок. Так не лучше ли сразу логически разбить весь уровень на отдельные, самодостаточные части?

Анатомия игр: Начало
Анатомия игр: Начало

GameDev vs. VFX
Производство игрового контента и видеопостпродакшн (для кино/рекламы) — это, на самом деле, два очень похожих техпроцесса. Они как братья-близнецы. Вроде один темноволосый, а другой белобрысый. Вроде и одеты по-разному. А все равно, как ни глянь, — одно лицо на двоих.
Геймдев и «пост» (для удобства будем его дальше звать «VFX» — от 'visual effects') настолько пересекаются, что специалисты из первого без особых трудностей переходят во второй, и наоборот.
Так что, раз уж завел тему, по ходу, во врезках, заодно расскажу, чем эти два пайплайна отличаются. Потому что проще перечислить их различия, чем потом писать вторую статью, которая процентов на 80 — 90 повторит эту.

Планшет Cintiq от Wacom — мечта любого концептера.
Планшет Cintiq от Wacom — мечта любого концептера.

Концепт-арт (Concept art)

Многие недооценивают эту стадию производства, а зря. Именно здесь определяется, как будет выглядеть ассет, и принимаются ключевые решения о том, для чего он подходит, а для чего — нет. Должен ли персонаж быть большим или маленьким? Он хитер или брутален? На какие его качества надо обратить внимание игрока? Или если это предмет, а не персонаж, то несет ли он для игрока угрозу или, напротив, восполняет здоровье? Можно ли с ним взаимодействовать? В каком окружении он будет располагаться?

В идеале — все это должно быть известно еще до того, как концептер (concept-artist, концепт-художник) приступит к работе. На практике — пробелы частенько уточняются по ходу.

Задача художника по концептам — придать форму тому образу, который блуждает где-то в сознании у сценаристов, геймдизайнеров и арт-лида (главы арт-отдела). Если команда подходит к делу основательно, то концепты сперва рисуются в виде общих набросков и постепенно уточняются, становясь максимально подробными. Ведь по-хорошему дальше по конвейеру ни одна деталь не должна меняться, а каждый, кто продолжит работу над этим ассетом, должен четко себе представлять, что именно получится на выходе.

В последнее время концепты стало модно включать в саму игру в качестве дополнительных материалов. Оно и понятно: если этого не делать, то весь этот колоссальный объем художественной работы так и останется «работой в стол», после выхода игры отправляясь в архив или в мусорку. А так — хотя бы и игроки полюбуются.

В целом работа концепт-художника это и есть типичная работа любого художника. Нужно рисовать, с утра и до вечера. Но со своими нюансами. Рисовать, как правило, требуется с нескольких определенных ракурсов, в определенных позах и некоторые части дублировать крупным планом со всех сторон, чтоб моделлерам потом было проще делать свою работу.

Так что если вы умеете рисовать… то вы уже и так, наверное, работаете по этой специальности. А если по какому-то жестокому стечению обстоятельств это не так, и вы давно хотите попасть в геймдев, — вперед! Концепт-артисты (ударение на первый слог!) нужны всегда, в любом мало-мальски серьезном производстве игр и кино.

Профессиональные требования
Владение софтом:

— Photoshop.

Навыки:

— Чувство формы и пропорций;
— понимание того, как распространяется свет, и чувство светотени;
— знание (или опять же интуитивное чувство) теории цвета и композиции;
— понимание человеческой анатомии;
— и, главное, умение и готовность рисовать. Много рисовать. На планшете.

Наш ассет: concept art

Условия задачи: у игры мультяшная стилистика. Персонаж — волшебница. Она легкая, хрупкая. Сталкиваясь с препятствиями, она не может нестись напролом, ей приходится полагаться на свою хитрость и магию. В концепте все это должно интуитивно прослеживаться с первого взгляда.

Также волшебница должна быть выполнена в нескольких вариантах — в зависимости от уровня. На всех вариантах должно читаться, что это тот же персонаж, но также должна быть отчетливо видна разница в уровне.

Ну и стандартные требования: желательно изобразить в позе для «скиннинга» (почти Т-поза, только руки опущены вниз), детали отрисовать отдельно, персонаж должен быть показан спереди и сзади.

В итоге концептер пришел вот к такому внешнему виду (тут лишь два из всех вариантов):

GameDev vs. VFXКонцепт-арт в обеих индустриях — одинаковый. Разница лишь в том, что для кино также делаются раскадровки/аниматики. Раскадровка — это куча схематических рисунков, показывающих, как выглядит действие в разные моменты времени. Поскольку игры не настолько жестко срежиссированы, постольку и раскадровки там ни к селу ни к городу (кроме разве что кат-сцен; но кат-сцены, по сути, то же кино, так что их пока в расчет не берем).
В свое время братья (ныне — брат и сестра) Вачовски вывели само понятие раскадровок на совершенно иной уровень. До них это были именно схематичные изображения, дающие лишь приблизительное представление об итоговой картинке. Больше похожие на мазню пятилетнего ребенка. Но для первой «Матрицы» два режиссера, заручившись поддержкой художника Джефа Дэрроу (Geof Darrow), буквально нарисовали в виде комикса весь фильм. Это позволило с самого начала четко понимать, как будет выглядеть кадр, и правильно спланировать как съемки, так и постпродакшн. С тех пор так и повелось.

Анатомия игр: Начало
Анатомия игр: Начало

Найдите десять отличий от того, как оно выглядело в финальном фильме.

Кстати, документальный фильм о съемках первой «Матрицы» под названием The Matrix Revisited («Открывая Матрицу») — чрезвычайно увлекательная штука, раскрывающая многие аспекты киношного закулисья. Рекомендую посмотреть на досуге, если эта тема вам интересна.
Аниматики (на самом деле превизы, но не суть) — это следующий этап развития раскадровок. Схематичное видео, в котором все объекты представлены очень грубыми формами, но оно дает представление о композиции кадра, организации сцены и таймингах.

Пример аниматика из второй «Матрицы»:

 

Скульптинг (Sculpting)

Когда концепт ассета утвержден, к работе приступают художники-скульпторы.

Их задача — сделать максимально детализированную модель. На данном этапе никто не заботится о технических нюансах вроде уви-разверток, топологии и количества полигонов (их может быть несколько десятков миллионов на одну модель). Главное — чтобы объект получился как можно более подробным, чтоб на нем с ювелирной точностью были воспроизведены все мельчайшие элементы ассета, как на концепте.

Работа скульптора (или хайполи-моделлера, от ‘hi-poly’ — «высокополигональный»), как и работа концептера, очень похожа на то, что под этой профессией понимается в ортодоксально-художественном смысле. Разница лишь в том, что классический скульптор лепит из реальной глины, а хайполи-моделлер — из виртуальной, пользуясь графическим планшетом и набором цифровых кистей.

Пример сверхдетализированного скульпта от Френка Цзенга (Frank Tzeng), художника по текстурам из Naughty Dog. Скриншот с презентации Zbrush Character Modeling for The Last of Us.
Пример сверхдетализированного скульпта от Френка Цзенга (Frank Tzeng), художника по текстурам из Naughty Dog. Скриншот с презентации Zbrush Character Modeling for The Last of Us.

Профессиональные требования
Владение софтом:

— ZBrush — специальная программа для скульптинга, способная оперировать просто громадными количествами полигонов. Интерфейс — такой, словно ее сделали инопланетяне. Но скульпторы со стажем утверждают, что как только привыкнешь, все очень удобно;
— MudBox — конкурент ZBrush от Autodesk. В сравнении с первым обладает гораздо более привычным интерфейсом. Но бытует мнение, что этот пакет — для любителей экстрима и извращений. Есть некоторые возможности, которые не реализованы или реализованы плохо в ZBrush, но в целом софт гораздо более прожорлив в плане ресурсов и гораздо менее стабилен (чувствуется «фирменный почерк» компании Autodesk);
— Maya/3ds Max/Softimage (в прошлом XSI, купленный и заботливо убитый «Автодеском»)/Modo — по выбору один из стандартных пакетов для лоуполи-моделлинга (‘low-poly’ — «низкополигональный»). Можно обойтись и без них. Но лучше все-таки сперва подготовить примитивную болванку с правильной топологией и уже с нее начинать скульпт.

Навыки:

— Чувство формы, пропорций и объема;
— понимание человеческой анатомии;
— собственно, талант скульптора: умение по одному лишь концепту «вылепливать» объемную модель.

Наш ассет: sculpt

Обратите внимание на плотность полигональной сетки. Да, это так много полигонов, что каждый стежок сделан реальной геометрией. И это далеко не самая детализированная модель из тех, что вообще встречаются в геймдеве.

Не удивляйтесь, что некоторые детали выглядят не так, как на концепте. Производственные реалии: сколько ни старайся придерживаться оригинального концепта, по ходу разработки ассет может (и будет) многократно меняться.

 

GameDev vs. VFXПока что в играх все равно актуальна проблема ограниченного размера текстур. А поскольку вся детализация скульпта передается в игру через них, детали, которые займут на текстуре меньше пикселя, делать уже попросту бессмысленно.
Поэтому рядовой скульпт для игры все же менее подробен, чем рядовой скульпт для VFX. Там порой «вылепливают» каждую пору на лице персонажа. За примерами можно сходить сюда и полистать галерею. Или вспомнить крупный план какого-нибудь full-CG (полностью компьютерного) персонажа в последнем киноблокбастере.

С этого момента наш игровой контент уже обрел некоторую форму. Но пока что это лишь основа для будущего ассета, а не он сам. Чтобы попасть в игру, ему еще нужно пройти долгий путь. Как минимум — получить свое низкополигональное воплощение, с которым уже сможет справиться движок.
С этого и продолжим в следующей части.


Лекс Дарлог
Поддержи Стопгейм!

Лучшие комментарии

Читай также