Британский кинематограф

Что объединяет «Большой куш», «На игле» и «Типа крутых легавых», кроме весьма своевольного перевода названий этих фильмов и любви к частому употреблению пинт пива в них?

Объединяет их тот факт, что сняты они британцами с британским подходом к съёмке. Если мы говорим про условного Гая Ричи, то в голове всплывает подпивасная криминальная история про пачку харизматичных лиц, ураганный темп повествования, макгаффины, яркие, моментально разлетающиеся на цитаты фразы и, конечно же, монтаж на грани с щитпостом (в самом лучшем смысле). Фильмы Ричи носят в основном развлекательный характер с щепоткой абсурда, которая превращает его картины в аттракцион. Это позволяет зрителю полностью погрузиться в забавную историю. Сюжет не старается игнорировать смотрящего, выдерживая рамки зритель-произведение. Всякие гэги из «Большого Куша» по типу «Бориса хрен попадешь», явно нарушают какие-то рамки реализма и логики, но все это становится неважным, поскольку зритель понимает, что смотрит кино, а Гай Ричи полностью отдает себе отсчет в том, что это кино снимает.

Это мне и нравится в фильмах срежисированных британцами — вот это понимание, производства кинокартины: с актерами, с камерой, с написанием диалогов и того, что с этим всем можно по-всякому экспериментировать. Герой может сделать нарочито подчеркнутый нереалистичный жест, может произойти интересный пролет камеры, динамичный монтаж и это выглядит просто потрясающе с точки зрения аудиовизуального восприятия и просто потому, что в жизни так не бывает.

Следующий на очереди Эдгар Райт. Преисполненный в визуальной комедии любитель понаразвешивать чеховских ружей. В своих фильмах он любит использовать сюрреализм и абстракцию по полной, смазывая все это дело, опять же монтажом. Не редко заигрывая с четвертой стеной, Райт, общается со зрителем, подчеркивая нарочито легкий тон в своих комедиях. В частности, я люблю Картины Эдгара Райта за виртуозно прописанные диалоги, которые переполнены отсылками к поп-культуре и прочим событиям реального мира. Райт поехавший нерд, гик и меломан, и этот свой пунктик он пронесет через все фильмы. Особенно хорошо видна его любовь к гик-культуре в ситкоме «Spaced», в котором как раз и собралось великое трио из Саймона Пегга, Ника Фроста и, собственно, Эдгара Райта.

Несмотря на то, что это ситком, (казалось бы, самый примитивный и прямолинейный жанр) из-под пера Саймона Пегга и Джессики Хайнес, с режиссерским талантом Эдгара Райта — на выходе получилось просто ураганная ода всем поклонникам научной фантастики, комиксов, игр и добротной комедии «не для всех». Сериал продержался два сезона и подарил миру просто платиновые сцены.

Перебирая дальше интересных британских режиссеров, нужно обязательно упомянуть Дэнни Бойла. Бойл любит подчеркивать тон и настроение сцены с помощью голландского угла, так он отражает напряжение и чувства, переполняющие персонажей. Кроме того, персонажи Бойла часто ведут закадровые монологи, делясь со зрителем своим мнением по тому, или иному поводу. И здесь, режиссер не обходится без стильного и энергичного монтажа, благодаря которому, даже байопик о Стиве Джобсе, на 99,8% состоящий из разговоров, смотрится на одном дыхании. Так как камера является не просто средством передачи изображения, а настоящим повествовательным элементом, натурально превращающим диалоги в экшн-сцены.

Это все идет вразрез с той же Догмой 95, которая построена на реализме, какого-то мазохистического масштаба, вплоть до того, что в фильме не может быть убийств, потому что ради этого нужно и вправду кого-то убить. Это своего рода тоже вызов и интересный эксперимент, однако, Бойл позаимствовал из Догмы ручную цифровую камеру, для съемки 28 дней спустя. Продиктовано это решение было стилистическим моментом. Так, крупное зерно и шумы отлично передавали атмосферу и ужас пост-апокалипсиса. А также техническим моментом, поскольку Бойл хотел запечатлеть Лондон таким, каким его никогда не видели, а именно, пустым. У режиссера был вариант перекрыть улицы, но делать это можно было только четыре дня в неделю, в четыре утра и не дольше одного часа. Из-за таких ограничений, времени на установку нескольких больших камер у него не было, тут и пришли на помощь с десяток цифровых Canon XL1.

«Цифру» также использовал Томас Винтерберг, когда снимал «Торжество», как раз по своей Догме. Та же трилогия «Дилера» Николаса Виндинга Рефна, отчасти подчиняется Догме 95, но без фанатизма, и вот из этого родились довольно самобытные, стильные и интересные проекты. Но это все стало частью Скандинавского нуара, а у нас здесь драйвовая Великобритания! Или нет?

Хичкок, Панк и Монти Пайтон

Родиной кинематографа Считается Франция, а родителями братья Люмьер, которые в 1896 году выпустили свой безусловный бэнгер «L’Arrivée d’un train en gare de la Ciotat» «прибытие поезда на вокзал Ла-Сьота». Хотя бытует мнение, что Люмьеры просто оказались проворнее и успели по быстренькому запатентовать новую технологию, а тем временем настоящим папкой кинематографа является Луи Ле Принс. Он изобрел для записи движущегося изображения первую хронофотографическую камеру с одним объективом и гибким рулонным носителем. И это за семь лет до появления синематографа Люмьеров. К сожалению, сам Луи бесследно исчез на пути в Дижон, в следствии чего все патенты были аннулированы и изобретение в тот момент не получило массовой огласки. Интересно здесь то, что проживавший в английском городке Лидс, на момент создания своего изобретения, Луи Ле Принс фактически сделал Великобританию родиной кинематографа. Ведь именно в Лидсе Луи проводил первые съемки на своей хроно-штуке.

Через три года после того, как братья Люмьер явили миру свой замечательный синематограф, рождается человек, который выведет сразу несколько аспектов кинематографа на новую ступень.

Сэр Альфред Джозеф Хичкок родился 13 августа 1899 года, в Лондоне, район Лейтонстоун. Примечательна его персона тем, что вывела британский кинематограф из задворок и заставила весь мир бояться, с замиранием сердца смотреть в экран и также искренне смеяться. Хичкоку приписывают множества почестей, начиная от «мастера саспенса», заканчивая первым снятым звуковым фильмом в Великобритании и созданием дробного монтажа, как из «Психо» в сцене убийства в душе. Этот самый дробный и динамичный монтаж мы можем наблюдать в фильмах и по сей день, но, конечно, искуснее всего им пользуются земляки Хичкока.

Помимо всего прочего, Альфред Хичкок был также известен своим неформальным чувством юмора, даже для британцев, а еще тем, что в его фильмах присутствовали абсурдные моменты, которые также отличали британский кинематограф от остального.

Весь этот британский абсурдизм дойдет до пика, когда в дело вступит Монти Пайтон и оставит просто гигантский культурный след не только в Англии, но и во всем мире.

Монти Пайтон — это британский комедийный коллектив, который как раз таки и специализировался на своеобразном английском юморе и абсурде, дебютировав со своим скетч-шоу «Летающий цирк Монти Пайтона». Выходило оно на BBC с 1969 по 1973 года. Также коллектив успел выпустить несколько полнометражных фильмов, самый знаменитый из которых это, конечно же, «Монти Пайтон и священный Грааль», чьи мемитичные отголоски долетают до нас до сих пор в том или ином виде.

В принципе переоценить вклад Пайтона в культуру довольно сложно, взять в пример хотя бы то, как они благодаря скетчу «SPAM» 1970-го года, ввели абсолютно новый термин, означающий нежелательные рассылки и рекламные сообщения. А номер то вообще был посвящен консервированной свинине, чья марка как раз-таки и называется Spam. Или же тот факт, что язык программирования Python, также является реверансом в сторону комедийного коллектива.

Позже, Монти Пайтон начал распадаться, и участники стали расходиться кто куда, примечательно тут то, что один из них, а именно Терри Гиллиам стал снимать собственные фильмы, среди которых затесался «Страх и ненависть в Лас-Вегасе». Терри был единственным британцем с американским происхождением, но именно английский подход чувствуется, когда смотришь «Страх и ненависть», тут тебе и голландские углы и динамика в кадре и странные абсурдные вещи.

Параллельно тому, как Монти Пайтон показывали миру силу британской комедии, до Англии дошел панк. И на мой взгляд это тоже довольно сильно повлияло на виденье людей, проживших в этой эпохе. Конечно, корни панка, как музыки и движения растут из США с появлением группы Ramones, которые и начали себя идентифицировать как панки, создавшие свой стиль, как звучания, так и внешнего вида.

Но при этом сам по себе панк-рок, появился благодаря английским группам The Beatles и The Rolling Stones. Они играли рок-н-ролл, а люди на волне вдохновения стали пытаться изображать что-то похожее и получалось грубое и сырое звучание, основанное всего на нескольких аккордах. Так первые зачатки панка были услышаны в песне «You Really Got Me» британской группы The Kinks.

И только потом в США Ramones сделали из этого что-то осознанное, определившись с внешним видом и, непосредственно, стилем игры. Буквально через год британцы также подтянулись к панку основательно. От лица Великобритании панк-культуру поддержала группа Sex Pistols.

Несмотря на то, что сам по себе панк корнями ушел в Америку (Которая так или иначе вдохновлялась Англией изначально), больший отклик у граждан он имел как раз в Британии. К середине 70-х годов Великобритания переживала один из мощнейших экономических кризисов и к началу 80-х масштаб уже мог сравниться с «великой депрессией» 1929-1933-их годов. Весь этот «говноворот», побудил сознательных и не очень граждан к протестам, которые как раз подкреплялись философией панков, а именно: борьба с системой, нигилизм, нонконформизм и прочие вещи, которые заставляли людей чувствовать себя свободными от оков правительства и заставляли бороться за эту самую свободу.

Я вообще о чем?

Имея вот такой большой бэкграунд становится понятно, откуда растут ноги у вот этого чуть ли не подросткового запала, смешанного с абсурдным юморком и жаждой экспериментов. Многие люди о которых здесь идет речь, либо родились, либо уже росли в это время, как раз проникаясь духом эпохи. Это видно по сериалу Pistol. Полностью снятый Дэнни Бойлом мини-сериал посвященный как раз Sex Pistols и тому времени, в котором эта группа зародилась. Атмосфера в нем настолько аутентична, что для ее создания актеров заставили собственноручно играть на инструментах и собственногортанно петь, чего они раньше делать не умели. Так что весь звук в сериале записан вживую, никакого наложения, полное погружение. Повествование то и дело прерывается документальной хроникой, что передает дух того времени, а для съемки, непосредственно, сериала используются несколько винтажных камер, что делает картинку похожей на те самые хроники 70-х.

Для британцев кадр — это игровая площадка, самый настоящий полигон для экспериментов. Причем неважно, говорим мы о максимально массовом кино от Гая Ричи, или же гораздо менее известном Поле Макгигане, снявшем абсолютно гениальное «Счастливое число Слевина». Видно подход, видно, как эти ребята понимают, что результат не менее важен процесса, во время которого происходит настоящая магия.

По большей мере я успел упомянуть режиссеров, которые и правда будто пропитаны панковскими настроениями, но нельзя не упомянуть еще парочку британцев, которым не чужд пафос и поистине голливудский масштаб. При этом они также уделяют огромное внимание технической и стилистической стороне своих картин. Их фильмы отличаются от привычного драйвового кина, они более серьезные и более вдумчивые.

Кристофер Нолан. Человек, который вынашивает весьма интересные концепции и позже воплощает их на экране. Часто его называют гением, за его подход к съемкам: а именно практические спецэффекты, инновационные звуковые сцены, широкоформатная киносъёмка. Чего стоит построенный вращающийся коридор для «Начала» и хореография задом-наперед для «Довода». В общем, несмотря на массовость у Нолана есть свой подход и свое видение, которое он так или иначе проталкивает в свои фильмы (причем довольно удачно). Даже снимая свою трилогию о Темном Рыцаре, Нолан представляет нам привычный образ Бэтмена только спустя час хронометража, а, на минуточку, такое себе могут позволить далеко не многие! «Женщина-кошка» 2004-го года, например…

Еще один британец, который стоит по другую сторону веселых и драйвовых ребят, это, конечно, Ридли Скотт. Пускай дед в последние годы малость подсдал, но отрицать его заслуги в мире научной фантастики просто глупо.

Человек все-таки подарил нам абсолютно великого «Бегущего по лезвию» и жуткого до скрежета зубов напряженного «Чужого», при съемках которого, кстати, вдохновлялся режиссерскими методами Хичкока. Как бы сильно я не симпатизировал «Чужому», именно киберпанковский мир украл мое сердечко.

Пускай «Бегущий по лезвию» основан на романе Филиппа К. Дика, фильм все равно довольно вольно переносит его события и фактически метит в другие мишени. Но вот эта основа дала возможность Ридли Скотту сосредоточить свои силы на воссоздании этой тягучей атмосферы антиутопичного будущего. Ридли Скотт сделал что-то невозможное в фильме 1982 году, сделав его настолько технологичным и осязаемым, насколько это вообще возможно.

Долгие статичные кадры тяжким грузом давили на зрителя, окутывая меланхолией пополам с отчаянием, а редкие диалоги и монологи разбавляли безмолвное повествование. Я уже молчу про темы, которые вскользь поднимались в Бегущем и которые получили развитие в сиквеле от Вильнева. Все это, конечно, кардинально отличается от того, о чем я говорил выше. Настроением и подачей, но отнюдь не подходом.

Карты, деньги, два Корнетто

Затронув Нолана и Скотта, я все-таки вернусь к режиссерам, которые создают большую динамику в своих картинах.

Прелесть их работ в том, что они начинаются сходу, экспозиция быстро и незаметно перетекает в основной фильм, либо же она может отсутствовать вовсе, сразу бросая в гущу событий. Из-за этого у зрителя просто отнимают право отрываться от повествования. Потом, по ходу фильма, если это важно, режиссер заостряет внимание зрителя на каких-то акцентах, либо же также легко и ненавязчиво впихивает нам все крючки в самом начале. Персонажей их характеры, какие-то детали биографии и все это по итогу выстреливает.

Берем начало «Армагеддца» Эдгара Райта. Главный герой Гэрри Кинг рассказывает о своих школьных годах, нам быстро представляют всех действующих лиц, успев при этом дать четкую характеристику каждому из героев. После чего события прыгают во времени на несколько десятков лет вперед. Все это приятно склеено и хорошо написано, из-за чего глаз моментально цепляется за визуал.

Дальше, давайте взглянем на «Большой Куш» Гая Ричи. Главный герой Турецкий, сидит со своим товарищем Томми, по всей видимости в комнате для допроса и рассказывает о том, почему его, собственно, назвали «Турецким» и как он устал влипать из-за Томми. Еще, речь заходит о каком-то бриллианте, главном макгаффине фильма и все это буквально первая минута хронометража. Только после этого картина движется в таймлайне к самому началу, а мы, как зрители, уже вовлечены в происходящее.

«Страх и ненависть в Лас-Вегасе» вообще вместо полноценной экспозиции породила фразу, ушедшую в народ про «У нас было…»

В копилку к этому всему приходит и начало Трейнспотинга, с лозунгами против наркотиков «Выбери жизнь»

Не в последнюю очередь вовлечение происходит за счет диалога, который главный герой ведет со зрителем, сложно не включиться в историю, когда обращаются к тебе напрямую. У тебя появляется мгновенная симпатия к персонажу, когда ты слышишь его мысли (тут еще смотря какие мысли, конечно же), но зачастую персонажи просто непринужденно чем-то делятся с тобой, либо посвящают в тонкости происходящего.

Упомянув «На игле», я просто обязан осветить тот факт, что, по сути, именно Дэнни Бойл поймал течение времени и смог его правильно реализовать сквозь призму своего виденья.

Так как английский кинематограф на момент 90-х представлял из себя сплошные безыдейные и аккуратные экранизации британской литературной классики, то спасать положение пришел Дэнни Бойл.

Выпустив в 1994 году фильм «Неглубокая могила», про трех друзей снимающих одну квартиру. По ходу сюжета к ним подселяется четвертый и тут уже стартует непосредственно главная завязка. Четвертый квартирант спустя время обнаруживается мертвым, в своей комнате с целым чемоданом денег.

История максимально приземленная, снятая в одной квартире, где всего три действующих лица, думают, что делать в сложившейся ситуации. Кино хоть и казалось простым в исполнении, забавно обыгрывало чопорность британцев, не стеснялось говорить на спорные темы и опять же, содержало стильные фишки Дэнни Бойла. Кроме прочего, именно в Неглубокой Могиле свое первое признание получил Юэн Макгрегор, который уже спустя пару лет сыграет Марка Рэнтона в «Трейнспотинге» того же Бойла.

«Трейнспотингом» Дэнни Бойл продолжит критиковать и обсмеивать общество Великобритании и говорить про наркотики. При этом никак не романтизируя их, как это было принято в то время в кино.

«На игле» — это прекрасный, бескомпромиссный, грязный и до мурашек стильный фильм. Режиссер просто идеально запечатлел тот отрезок времени, в котором жили герои и сам Бойл. Стиль подкрепляла подобранная и написанная музыка, а поскольку Бойл, как в принципе и все британцы является меломаном, то музыка была просто отменной. Опять-таки подчеркивающей ту рейв культуру — которая как раз царила в Британии на тот момент.

Двумя годами позже на сцену подтянулся и Гай Ричи со своим дебютом «Карты, деньги и два ствола» уже в этом фильме проглядывался тот стиль и тот сеттинг, в котором Ричи было комфортно работать. Кроме этого, Гай Ричи привнес в большое кино методы съемки клипов и рекламных роликов по MTV (откуда он, собственно, и начинал)

Излюбленный прием Гая Ричи, Дэнни Бойла и Эдгара Райта, который потом подхватят многие режиссеры и за пределами Великобритании — это пропускание кадров или вообще полный стоп-кадр. Это очень разбавляет визуал, а если еще и вставлено не ради того, чтобы вставить, то тогда вообще мое почтение. Допустим, если в момент пропуска акцент висит на одном из героев, то так, нам передают, что персонаж не поспевает за событиями вокруг него, он замыкается в себе и мыслями уже давно в другом месте. Я уже молчу о демонстрации наркотического или алкогольного опьянения, тут уж вообще классика. Если же мы наблюдаем какой-то экшн с пониженным фреймрейтом, то, как ни странно, менее плавная картинка с урезанной частотой, делает действия в разы быстрее и динамичнее.

Стоп-кадры — это вообще проставленные в лоб акценты, которые зачастую обыгрываются в юмористическом ключе. Еще стоп-кадры знакомят нас с персонажами, показывают забавные или не очень моменты. А еще, стопы могут запечатлеть настроение, что тоже своего рода делает акцент, либо на словах персонажа, либо на действии, которое он совершает в момент стопа. Все это динамика и драйв, которые ой как обогащают визуал проекта и как я до этого говорил, именно британцы освоили эти фишки как никто другой.

Говоря про легкие драйвовые фильмы, я, конечно, подразумеваю комедии и развлекательные картины, однако, это не значит, что в них не поднимаются серьезные темы. Даже если кино как бы комедия, оно как правило удачно жонглирует жанровой принадлежностью и грамотно тянет за рычажки, плавно резонируя с чувствами зрителя.

Сильно недооцененный фильм в «трилогии корнетто» Эдгара Райта, а именно «Армагеддец», вообще куда-то в дебри экзистенциального кризиса заходит и заставляет задуматься о смысле жизни и ее скоротечности. Да, все это на фоне того звездеца, что происходит в фильме, с завязкой «А может бахнем 12 пинт пива, раз не смогли сделать этого щеглами». Пускай фильм и не построен целиком и полностью вокруг драмы, а придерживает ее где-то на заднем плане, он все равно умудряется задеть нотки души, жалеющей потерянных годов. Я стабильно пересматриваю «Армагеддец» уже 6 лет и с каждым новым просмотром я все больше кайфую от гениальности прописанных диалогов, в которых в форме вскользь сказанной шутки подаются сюжетные твисты. А во время просмотра все больше разделяю трагедию главного героя, который настолько уцепился за беззаботную молодость, что кажется забыл прожить жизнь…

Да, это все еще фильм про кучку проблемных мужиков с кризисом среднего возраста. С искрометными диалогами, визульной комедией и гениальными переходами Эдгара Райта, кстати о них.

Райт очень творчески подходит к показу совершенно обыденных вещей, будь то утренняя рутина, поездка в транспорте и даже наливание пива из краника. Человек создает экшн из ничего. А уж когда дело доходит до экшена, то выглядит он чертовски стильно и изобретательно. Райт никак не объясняет способности к дракам у сорокалетних клерка, строителя, алкаша и продавца автомобилей, он не видит в этом нужды, это его правила игры и зритель их принимает. Такие странные, такие панковские.

Ему важнее развлечь зрителя и себя в том числе, чем пытаться объяснить, давно ли герой Майкла Серы из 22-летнего задрота превратился в воплощения своих же влажных фантазий. Не знаю, что это за темная магия, но у Райта получилось создать фильм, который подсаживает тебя на свою волну молниеносно, тебе не нужно пытаться вникать в историю, не нужно прилагать усилий, чтобы запомнить имена героев, тебе нужно просто смотреть и слушать. Это я сейчас говорю про «Скотта Пилигрима против всех», фильм, который является фантазией всех молодых ребят, у которых жизнь равнопропорционально полна как амбиций, так и разгильдяйства. Главный герой играет в гаражной группе, увлекается гик-культурой, имеет успех у девушек, съезжает от родителей в дом напротив, знакомится с классной девчонкой с ярко-розовыми волосами и не знает, что ему вообще надо от этой жизни.

История Скотта — это ода людям, которые перестали быть детьми по факту, но остались ими внутри. Поэтому фильм и выглядит так фантастично, абсолютно игнорируя логику и здравый смысл (в этом его прелесть). Конечно, Эдгар Райт всего лишь адаптировал оригинальный сюжет комикса Брайана Ли О’Мэлли, который преследовал те же цели. Но зато как адаптировал!

Фильм почти покадрово следует за оригиналом, насколько вообще возможно было уместить в один фильм 6 томов комикса. Райт даже протащил комиксное оформление звуков на большие экраны, что тоже дало ощутимый стилистический буст.

В свое время фильм знатно так провалился, но в итоге обрел культовый статус. Даже здесь, несмотря на легкий и весьма поверхностный тон, за всем этим фарсом и добротным юмором скрываются важные темы. При этом мы все еще имеем сюжет уровня «победи семь боссов и спаси принцессу». Который, кстати, тоже своего рода реверанс в сторону олдскульных игр, где подобные сюжеты преобладали.

Гениальный почерк Райта отлично лег на историю инфантила Пилигрима и подарил миллионам людей возможность вспомнить, что когда-то они тоже были Скоттом Пилигримом.

Финальная спорная сцена делит людей на два лагеря, так как для нее как раз было снято два варианта, и, мне кажется, Эдгар Райт не прогадал, что оставил из двух тот, что в итоге вошел в финальный монтаж. Именно такой финал роднит историю фантазера и мечтателя с жизнью, где нет правильного ответа, и ты поступаешь так, как подсказывает сердце, а не рассудительность, совесть и прочие вещи, что чужды человеку-чувств.

Финал оставляет легкий осадок с надеждой на светлое будущее, но ведь и мы на протяжении жизни пожинаем последствия нашего выбора и идем вперед, надеясь, что завтрашний день будет лучше вчерашнего…

Продолжая тему серьезности и смысловой загруженности, упомяну еще Морпеха с Джейком Джилленхолом в главной роли. Так вот, начинается Морпех до ужаса типично для подобных военных фильмов, что породилось еще со времен «Цельно металлической оболочки». Как челик жил себе на гражданке, занимался своими делами, а затем засвербел в заднице патриотизм, и он записался добровольцем в армию. И вот он стоит в строю, переполненный тестостероном и выслушивает, как его и ещё несколько десятков таких же бедолаг поносит очередное «щичло» в погонах по лучше. Я ничего против всего этого не имею, просто мы это уже видели большое количество раз и на серьезных щах, и в качестве пародии, так что свежих эмоций это уж точно не вызывает.

И весь этот дженерик заканчивается ровно в этот момент:

Происходит стоп-кадр, герой говорит, что все это, конечно, отвратительно, а в армии он оказался, потому что не поступил в колледж (понимаем, помянем, простим). Все это показывается такими же изящными вставками, делая происходящее динамичным, хотя Джилленхол просто говорит о своей жизни под «Don’t Worry Be Happy». Тут я пошел чекать режиссера и понял, что впереди меня ждет 2 часа чистого концентрированного кайфа. Ведь ответственный за Морпехов Сэм Мендес, мало того, что является британцем, так еще и спустя 14 лет снимет небезызвестный 1917, который в свою очередь известен, потрясающей постановкой и интересными операторскими решениями.

Возвращаясь к Морпехам, фильм оказывается построен на обмане ожиданий, рассказывая про войну без войны, где главный герой увидел противника лишь один раз и в итоге никого не убил. Однако, фляга у него все равно посвистывает. Это потрясающий максимально антивоенный фильм, демонстрирующий ее бесполезность, но при этом безжалостность к человеческим жизням.

Обманывающий практически по всем фронтам трейлер с свистелками и перделками — прилагается. Интересный, необычный, с хорошим актерским составом и отличной картинкой — Jarhead завоевал место в моем сердечке. Где вы еще увидите Джилленхола с похмелья, посреди Иракской пустыни в шапочке Санта-Клауса и чтобы при всем при этом, это не была клоунада?

Со временем перечисленные мной режиссеры, так или иначе пытались покорить Голливуд, своими блокбастерами и массовыми проектами, либо ударялись в эксперименты, все дальше отходя от этого панковского задора, что придавал живости их фильмам. И нет, сняв Last night in Soho, Эдгар Райт не перестал быть Эдгаром Райтом и картина, несмотря на средненькую историю и не очень работающую хоррор составляющую. Он все еще интересно снят и визуально приятен глазу, а уж работа с хореографией так и вовсе отличная. Просто понимаешь, что теперь Райт никогда не снимет третий сезон Spaced, потому что он, вроде как вырос и ему в кайф делать что-то более осмысленное.

Гай Ричи обрамляет свои криминальные замесы лоском, красивой сочной картинкой и дорогими костюмами, слегка отходя от того ребячества, что было в первых фильмах режиссера, а попутно снимает нетипичных для него Алладина и Меч короля Артура.

Пример блокбастерного фильма с отличной постановкой, упором на Британские акценты, с добротным юмором, выдержанной драмой и каким-никаким посылом смог предоставить Мэтью Вон в своем героическом фильме «Пипец»… простите, Кингсман!

«Кингсман» вышел в лучшее время для только разгоняющейся супергероики и был на порядок интереснее того, что предлагал Марвел в то время, ведь с первыми «Стражами Галактики» соседствовал третий «Железный Человек», второй «Тор» и 5-ти минутная «Эра Альтрона», что многих людей особо не зацепило, а некоторых и вовсе разочаровало.

Кингсман же предлагал более приземленный взгляд на кинокомиксы, как раз взяв за основу что-то, что не лезло из всех щелей (хоть и выходило из-под дочерней компании Марвела). А благодаря грамотному вплетению английской культуры, незаурядному экшену, отличному актерскому составу и интересной истории, мы получили еще один потрясающий, до мозга костей британский фильм. С дальнейшей судьбой франшизы можно поспорить, но мы не будем.

О взаимосвязи панка и режиссерских изощрениях, указанных мною выше по тексту, говорит даже работа американского режиссера Джона Кэмерона Митчелла. В своем фильме «Как разговаривать с девушками на вечеринках» он по полной отрабатывает и тему панка, и абсурд с сюрреализмом, и своеобразный метод съемки, из-за чего почти все начало с поездкой ребят на велосипеде проходит где-то в 10 кадрах в секунду.

А уж панк и вовсе стоит во главе картины, главные ребята — панки, Эль фанинг хочет получить панк, Николь Кидман милфа-панк. Сюжет несмотря на весь абсурд, как раз повествует о свободе, свободе души, свободе от традиций и пережитков прошлого. Тотальный анархизм, милашка Фанинг и бешеная энергетика, сочащаяся из экрана — сплошное удовольствие с нотками шизы, уважаю, обожаю.

Еще один пример фильма, что насквозь пропитался Бойлом и Ричи являются «Махинаторы», байопик о продюсере Placebo, снятый им лично.

Повествует фильм о молодом Дэйви Маклинне, который хочет стать музыкальным продюсером и покорить Великобританию, на тот момент большой популярностью пользуется группа Iron Maiden и Дэнни решает, что будет хорошей идеей пригласить их выступить в его городке Данди, в Шотландии. Группа соглашается и называет весьма солидную цену, без задней мысли Дэнни идет на сделку, не имея денег, места и труппы людей, которые могли бы помочь с организацией. Только он и парочка друзей, на которых распространился запал Дэнни.

Не была бы эта история правдой, было бы очень трудно поверить в ее реальность, потому что герой попадает в такие переделки и выходит из них на такой «писечке», что порой схватывает инфаркт напополам с истерикой.

Стиль съемки чистый Ричи, опять рапиды, пропуски кадров и стоп-кадры. Все на месте и смотрится не менее органично, также на месте осталась и документальная хроника тех лет, дабы погрузить зрителя в ту атмосферу Великобритании 80-х. Это уже реверанс в сторону Бойла. Фильм очень динамичный, как и полагается отличному британскому кино такой направленности. Герои-разгильдяи, криминальные элементы, пиво. Очень. Много. Пиво.

Единственное что, фильм как бы связан с музыкой, но на озвучку главного героя почему-то позвали рэп-исполнителя — Слава КПСС. Забавно, что речитативом занимается человек, который не особо может в человеческую речь, но в принципе, со временем слух привыкает и становится терпимо.

Просто с одной стороны у нас Слава КПСС, а с другой шотландский акцент и доподлинно неизвестно, что из этого беспощаднее.

Конечно, я упомянул не все фильмы и далеко не всех режиссеров. Например, Мартина Макдона и его «Семь психопатов», или хорошую мелодраму Дэвида Маккензи, с необычным концептом, с Юэном Макгрегором и Евой Грин в главных ролях. Также не уделил внимание тягучим психологическим триллерам Линн Рэмси, потому что, либо они немного сбивали темп повествования, либо я не нашел, как их сюда притянуть, вот и высказываюсь здесь.

Кинематограф Великобритании разнообразен и может не так ярко показывать английский колорит, в отличии от того же корейского фильмопроизводства, но все равно является увлекательным и уникальным зрелищем, где в форме ненавязчивых шуток задаются серьезные вопросы. Вот такие они, британцы — панки, новаторы, экспериментаторы, любящие свое дело и вкладывающие в свои картины все 110%, за это мы их и любим, за это я их люблю.